NOVEDADES DISCOGRAFICAS. JULIO

PROJECT GRAND SLAM – NEW YORK CITY GROOVE (CAKEWALK RECORDS)

CURTIS HAYWOOD – SMOOTH INGREDIENTS (SMOOTH SOUNDS MEGAWAVE)

SOREN REIFF – GRATITUDE (GATEAWAY MUSIC)

FOUR80EAST – POSITRACTION (BOOMTANG RECORDS)

BLAKE AARON – SOUL STORIES (INNERVISION RECORDS)

JOHN PATITUCCI – BROOKLYN (THREE FACE RECORDS)

BONEY JAMES – FUTURE SOUL (CONCORD RECORDS)

KAMASI WASHINGTON – THE EPIC (!K7)

VINCENT HERRING – NIGHT AND DAY (SMOKE SESSIONS RECORDS)

JESSY J – MY ONE AND ONLY ONE (SHANACHIE RECORDS)

LARRY CORYELL – HEAVY FEEL (WIDE HIVE RECORDS)

DAVID BERKMAN – OLD FRIENDS AND NEW FRIENDS (PALMETTO RECORDS)

MAYSA – BACK TO LOVE (SHANACHIE RECORDS)

PAUL GONSALVES – TELL IT THE WAY IT IS (IMPULSE RECORDS)

LIN ROUNTREE – SOULFUNKY (TRIPPIN & RHYTHM RECORDS)

RETURN TO FOREVER – ELECTRIC LADY STUDIO NYC: JUNIO 1.975 (HI HAT RECORDS)

WES MONTGOMERY – IN THE BEGINNING (RESONANCE RECORDS)

JEAN-LU PONTY – COSMIC MESSENGER (ATLANTIC RECORDS)

JOHN COLTRANE – MEDITATIONS (IMPULSE RECORDS)

KEITH JARRETT – CREATION (ECM RECORDS)

SNARKY PUPPY – SYLVA (IMPULSE RECORDS)

THE BEGINNERS – TWO YEARS AFTER (NAXOS OF AMERICA)

ALICE BABS – WHAT A JOY (NAXOS OF AMERICA)

J. HENRY – PHENOMENON (SPECTRA MUSIC GROUP)

ROCCO VENTRELLA – ANOTHER TIME (INDEPENDENT LABEL)

MILES DAVIS – NEWPORT 1.955-1.975. THE BOOTLEG SERIES VOL 4 (COLUMBIA RECORDS)

DEXTER GORDON – 12 CLASSIC ALBUMS: 1.947-1.962 (ENLIGHTENMENT RECORDS)

PAUL HARDCASTLE – THE CHILL LOUNGE (TRIPPIN & RHYTHM RECORDS)

LARRY CARLTON & DAVID T. WALKER – @BILLBOARD LIVE TOKYO (335 RECORDS)

DAVE KOZ – COLLABORATIONS. 25TH ANNIVERSARY COLLECTION (CONCORD RECORDS)

CECIL RAMIREZ – PARTY IN THE BACK (MUSIC SOLUTIONS SMG)

NOVEDADES DISCOGRAFICAS. JUNIO

STEVEN DAVIS – WHAT HAPPENED TO ROMANCE (INDEPENDENT LABEL)

JAMISON ROSS – JAMISON (CONCORD JAZZ RECORDS)

DAVID BENOIT – 2 IN LOVE (CONCORD RECORDS)

GEORGE ANDERSON – CAPE TOWN TO LONDON LIVE (SECRET RECORDS)

VARIOUS ARTISTS – ULTIMATE SMOOTH JAZZ #1´S VOL IV (INDEPENDENT LABEL)

KURT ELLING – PASSION WORLD (CONCORD JAZZ RECORDS)

COURTNEY PINE – SONG: THE BALLAD BOOK (DESTIN-E RECORDS)

MITCHEL FORMAN – PUZZLE (SANCTUARY RECORDS)

TERELL STAFFORD – BROTHERLEE LOVE: CELEBRATING LEE MORGAN (CAPRI RECORDS)

KENNY BARRON – FLIGHT PATH (CANDID RECORDS)

AARON DIEHL – SPACE TIME CONTINUUM (MACK AVENUE RECORDS)

REBECCA FERGUSON – LADY SINGS THE BLUES (SONY RECORDS)

STEVE DAVIS – SAY WHEN (SMOKE SESSIONS RECORDS)

STEPHEN HAYNES – POMEGRANATE (NEW ATLANTIS RECORDS)

VARIOUS ARTISTS – INTRODUCING M-BASE (1201 RECORDS)

ALI JACKSON: AMALGAMATIONS

51cu9ez1tYL Considerado como uno de los músicos emergentes y más versátiles de todo el panorama musical norteamericano. Batería, compositor, arreglista, educador musical, Ali Jackson, neoyorquino de nacimiento (Abril, 1.976) pero hijo adoptivo de la ciudad de Detroit, comienza a tocar la batería con tan solo dos años de edad. Tres años más tarde se ejercita con soltura en el manejo del piano. Sus primera actuaciones callejeras las realiza con tan solo ocho años de edad junto a su padre el bajista Ali Jackson Sr, persona clave en su vida y quien le introduce en el mundo del Jazz. Sus influencias musicales son leyendas de la música tan importantes como Aretha Franklin, Max Roach, Milt Hinton, Donald BirdBetty Carter. Como músico es un batería completo y virtuoso, tanto como batería de acompañamiento o como músico solista. Se mueve con soltura en estilos tan variados como el Jazz, el Swing, el Funk, el Gospel, el Pop o la música latina. A pesar de su juventud, Ali Jackson tiene ya una dilatada carrera musical y ha tocado en Estados Unidos, Canadá, Europa y Asia. Durante siete años fue músico fijo en la Lincoln Center Orchestra, formación musical dirigida por Wynton Marsalis. En sus producciones discográficas propias siempre se presenta bajo el formato del trío, del cuarteto o del quinteto. Tiene en su haber álbumes tan interesantes como “Gold Sounds” (2.005), “Big Brown Getdown” (2.007), “Wheelz Keep Rollin´” (2.012) o “Yes!” (2.012). Como batería de acompañamiento ha participado en producciones discográficas de Bobby McFerrin (“Spirityouall”) y Eric Clapton & Wynton Marsalis (“Play The Blues”). En Septiembre del pasado año, el batería presentaba su nueva producción discográfica bajo el titulo genérico de “Amalgations”, álbum editado por el sello discográfico Sunnyside Communications. Este nuevo trabajo presenta una variedad de escenarios musicales e instrumentales a través de los once temas de que se compone “Amalgations”. Una de las caracteristicas a destacar de este nuevo álbum es que los músicos que acompañan a Ali Jackson muestran su talento musical y tienen protagonismo propio a lo largo del disco. El disco arranca con el clásico de George Gershwin que el batería titula “Ali Got Rhythm”. A este corte clásico le seguirán otras versiones como “Cherokee” (Ray Noble), “I Love You” (Gordon Jenkins, Johnny Mercer), “Thelonius” (Thelonius Monk), “Fee Fi Fo Fum” (Wayne Shorter) o “Inner Urge” (Joe Henderson). El disco se completa con composiciones escritas por el propio Jackson (“Cachita”, “Done Tol´You Fo´ Five Times”, “Praise”, “Kentucky Girl”) y se cierra con el tema tradicional titulado “Just A Closer Walk With Thee”. En esta nueva entrega musical, el batería es acopañado por músicos de la talla de Aaron Goldberg (piano), Omer Avital (bajo), Wynton Marsalis (trompeta), Vincent Gardner (trombón), Carlos Henriquez (bajo), Bobby Allende (percusión), Jonathan Batiste (fender rhodes), Phillip Keuhn (bajo), Shedrick Mitchell (organo), JD Allen (saxo), Eldar Djangirov (piano) y Ted Nash (saxo). El disco es grabado por Dave Hewitt, Bruce Botnick y Sam Berkow en The Studio at SST. La mezcla es realizada en One Eye Studio, mientras que Katsuhiko Naito masteriza el álbum en los Avatar Studios. El diseño gráfico y la fotografía de la portada del álbum es obra de Christopher Drukker. El disco es distribuido en España por Karonte Distribuciones. La producción integra de este nuevo álbum recae en el propio Ali Jackson.

ADIOS A ORNETTE COLEMAN

fm20120831r1aLa muerte del saxofonista Ornette Coleman la semana pasada fue noticia en todos los periódicos. Con el fallecimiento de Coleman desaparece uno de los músicos y compositores más originales y genuinos de la escena jazzística internacional. Nacido en la localidad texana de Fort Worth un 9 de Marzo de 1.930, revoluciona el mundo del Jazz a partir de la década de los 60´s. Fue el abanderado del Free Jazz, estilo jazzístico de nueva creación que no dejo indiferente a sus colegas de profesión, siendo incluso cuestionado por trompetistas tan brillantes como Miles Davis o Roy Eldridge. Definitivamente, Ornette Coleman rompe los cánones clásicos y convencionales del Jazz; a partir de ese momento, estructuras, melodías y composiciones serán construidas de forma distinta y diferente. Saxofonista, trompetista, violinista y compositor, Ornette Coleman es considerado el padre del Free Jazz. Sus primeros pasos musicales los da junto a su banda The Jam Jivers integrada por el saxofonista Prince Lasha y el batería Charles Moffett. El estilo musical de la banda liderada por Coleman se orientaba claramente al R&B, aunque Ornette Coleman siempre fue un gran admirador del Bebop y de la forma de tocar de Charlie Parker y de Dizzy Gillespie. Después de la experiencia con The Jam Jivers, Coleman se integra como músico de acompañamiento en la banda del guitarrista y vocalista Pee Wee Crayton con el que realiza numerosas giras en la ciudad de Los Angeles. En el año 1.959 se traslada a la ciudad de New York donde fija su residencia coincidiendo con la presentación del álbum titulado “The Shape Of Jazz To Come”, producción discográfica editada por el sello discográfico Atlantic Records y que cuenta con la presencia de Don Cherry, Charlie Haden y Billy Higgins. A partir de este momento el Jazz estuvo sujeto a reglas más flexibles y maleables. Como músico de vanguardia y con un estilo único, Coleman redefine el Jazz como estilo musical dotándolo de nuevas melodías, novedosa instrumentación y técnica genuina. Coleman crea sus propias reglas musicales convirtiéndose en un músico influyente e innovador. Gracias a las aportaciones hechas por Coleman, el Jazz llegó a estar menos sujeto a las reglas clásicas y tradicionales de la armonía y el ritmo. “Something Else!!!!”, primera producción discográfica con el sello Contemporary Records marca un hito en la carrera musical de Ornette Coleman. El álbum combina Blues, Jazz e introduce la música y los ritmos africanos como estilo musical en los esquemas del Jazz. Todos los temas del disco fueron escritos y arreglados por Ornette Coleman y contó con la participación musical de Don Cherry (corneta), Walter Norris (piano), Don Payne (bajo) y Billy Higgins (batería). “Something Else!!!!” se compuso de un total de nueve temas entre los que incluía “Invisible”, “The Blessing”, “Jayne” o “When Will The Blues Leave?”. La carrera musical de Ornette Coleman comprende más de medio centenar de producciones discográficas y ha participado como músico de acompañamiento en álbumes de Geri Allen, Paul Bley, Charlie Haden, Joe Henry, Jackie McLean, Yoko Ono, Lou Reed o Bob Thiele, entre otros. Ornette Coleman moría el pasado 11 de Junio en la ciudad de New York. Desaparece así uno de los músicos más originales de la historia del Jazz.

AARON DIEHL: SPACE TIME CONTINUUM

71wJ9OVzyaL__SL1500_Compositor y pianista experimentado; Aaron Diehl tiene en su haber tres excelentes producciones discográficas. La primera de ellas llevó por titulo genérico “Live At Caramoot”, y su segunda producción –“Live At The Players”-, al igual que la primera, fue otro excelente álbum grabado en vivo. Considerado por diarios tan prestigiosos como el New York Times o el Chicago Tribune como uno de los músicos y compositores más prometedores de la industria musical de este siglo, Aaron Diehl ha sido alumno aventajado de profesores tan brillantes e influyentes como Kenny Barron, Oxana Yablonskaya o Eric Reed, y ha compartido escenarios con músicos tan notables como Wynton Marsalis, Benny Golson, Hank Jones, Wycliffe Gordon, Victor Goines o Wessell Andersen, entre muchos otros. Su última producción discográfica –“The Bespoke Man´s Narrative”– no pasó desapercibida ni para crítica especializada ni para público exigente. En este tercer trabajo discográfico, el compositor y pianista oriundo de Columbus, Ohio, muestra la esencia de su música: influencia musical de Duke Ellington y John Lewis y afición por compositores clásicos como George Gershwin, Maurice Ravel, Milt Jackson o John Blackburn. El pianista y compositor volvía a demostrar con temas como “Generation Y”, “Blue Nude” o “Stop And Go”, entre muchos otros, que es uno de los músicos jóvenes de Jazz más brillantes y con una proyección musical más firme y sólida de todo el panorama musical jazzístico norteamericano. Después de meses de promoción y de presentaciones en vivo, Diehl ya tiene su nueva producción discográfica que verá la luz el próximo día 16 de Junio bajo el titulo genérico de “Space Time Continuum” y que publica el sello discográfico Mack Avenue Records. En este nuevo trabajo de Aaron Diehl nos vamos a encontrar con un músico mucho más maduro tratando así de consolidar su carrera musical iniciada hace ya algunos años. “Space Time Continuum” contiene un total de ocho composiciones entre las que se incluye el tema que sirve de titulo al álbum compuesto por Cécile McLorin y que cuenta con la participación vocal de la cantante Charenee Wade. El nuevo proyecto musical de Diehl incluye composiciones movidas (“Uranus”, “Flux Capacitor”, “Broadway Boogie Woogie”, “Space Time Continuum”), canciones que se inclinan al género musical de la balada (“The Steadfast Titan”, “Kat´s Dance”) y temas que pueden ser encuadrados perfectamente en la categoría de ligeros (“Organic Consequence”, “Santa María”). A lo largo de los ocho temas que conforman el álbum, Aaron Diehl da libertad a los músicos que le acompañan para que puedan lucirse con excelentes solos que sin duda serán de agradecer por el oyente. Buena prueba de ello es el bajo de David Wong en “Uranus”, los saxos de Joe Temperley en “The Steadfast Titan”, de Stephen Riley en “Flux Capacitor” y “Kat´s Dance” y de Benny Golson en “Organic Consequence”“Space Time Continuum” y la trompeta de Bruce Harris en “Organic Consequence” y “Space Time Continuum”. El plantel de músicos se completa con la presencia en todos los temas del batería Quincy Davis. Al igual que ha hecho en otras producciones discográficas, Aaron Diehl pone de manifiesto su faceta de brillante compositor al incluir en este nuevo álbum temas de su autoría como “The Steadfast Titan”, “Flux Capacitor”, “Organic Consequence”, “Santa María” y “Broadway Boogie Woogie”. Del único tema que incluye presencia vocal, el cantado por la vocalista Charenee Wade, Diehl compone la música del mismo. El disco es grabado en los Avatar Studio con la presencia técnica de Todd Whitelock y de Tim Marchiafava. El disco es mezclado en Valvetone At Flux Studios por Todd Whitelock contando con la asistencia técnica de Trevor Fedele. La masterización corre de cuenta de Mark Wilder en Sony Battery Studios. El disco es producido por Al Pryor, contando con la producción ejecutiva de Gretchen Valade y con Will Wakefield como manager de producción. Excelente nuevo trabajo de un pianista que sin duda se encuentra en su mejor momento musical.

KEITH JARRETT: CREATION

2450-keith-jarrett-creationKeith Jarrett es uno de los compositores y pianistas más relevantes de todo el panorama musical norteamericano. Nacido en la localidad de Allentown, en el estado norteamericano de Pennsylvania, inicia su carrera musical a la edad de tres años, momento en el que comienza a tocar el piano. Art Blakey, mítico batería y líder de la formación musical conocida como The Jazz Messengers, le da su primera oportunidad al contratarlo como pianista para una serie de conciertos. Músicos tan brillantes y reconocidos como Miles Davis, Freddie Hubbard, Charlie Haden, Charles Lloyd o The Jazz Messengers, no dudan en contratar sus servicios. Como pianista y compositor, Jarrett se mueve con autoridad en el terreno musical del Jazz y de la música clásica, aunque se encuentra capacitado sobradamente para ejecutar cualquier estilo o género musical. Sus álbumes donde el único instrumento protagonista es el piano son memorables. Su primer álbum de “solo” de piano lo publica en el año 1.971 bajo el titulo genérico de “Facing You”. A este disco le seguiran otros como “Solo Concerts: Bremen/Lausanne” (1.973), “The Koln Concert” (1.975), “Staircase” (1.976), “Hymns/Spheres” (1.976), “Sun Bear Concerts” (1.976), “Dark Internals” (1.987), “Paris Concert” (1.988), “Vienna Concert” (1.991) o “Paris/London: Testament” (2.008). Su última producción discográfica fue “Rio”, álbum grabado en vivo y en directo desde el Teatro Municipal de la ciudad brasileña. El concierto incluía un total de 15 piezas musicales y tuvo una excelente aceptación entre crítica especializada y público. El pasado 8 de Mayo, Keith Jarrett cumplió setenta años, y para esta celebración el músico norteamericano ha presentado hace pocas semanas un álbum que lleva por titulo “Creation”. En este nuevo trabajo discográfico de Jarrett, el protagonismo vuelve a ser el sonido único de su piano que adquiere protagonismo propio a lo largo de las nueve partes que se compone. Con motivo de su aniversario, Jarrett nos ofrece en nueve partes actuaciones del pianista en ciudades como Toronto, Tokyo, París o Roma grabadas en el año 2.014 en escenarios tan exclusivos como el Roy Thomson Hall de Toronto, el Kioi Hall de Tokyo, el Salle Pleyel de París, el Auditorium Parco della Musica de Roma o en el Orchard Hall de Tokyo. Esta producción discográfica conmemorativa es producida en su totalidad por el propio Keith Jarrett, y cuenta con la producción ejecutiva de Manfred Eicher. La grabación del disco fue realizada a lo largo de los meses de Abril, Mayo, Junio y Julio del año 2.014 por Martin Pearson y Ryu Kawashima. El disco es masterizado en los MSM Studios por Christoph Stickel y Manfred Eicher. La portada es una pintura de Eberhard Ross, mientras que el diseño es de Sascha Kleis. El disco es publicado por el sello discográfico ECM Records y es distribuido en España por DistriJazz. Excelente aniversario musical de un pianista único.

JIMMY GREENE: BEAUTIFUL LIFE

51XxoiagFfL“Beautiful Life” es un disco especial. Jimmy Greene, saxofonista y compositor, se lo dedica en su integridad a su hija, Ana Marquez-Greene de seis años de edad y una de las 26 víctimas de la masacre perpetrada el 14 de Diciembre de 2.012 en la escuela primaria de Sandy Hook, centro ubicado en la localidad de Newtown en el norteamericano estado de Connecticut. Con esta nueva producción discográfica, Jimmy Greene demuestra ser un gran saxofonista y una gran persona llena de fuerza y de optimismo, con el que sin duda, pretende dar ejemplo. Jimmy Greene es nativo de Hartford, capital del estado de Connecticut. Actualmente, es considerado uno de los músicos y saxofonistas con más proyección y repercusión de toda su generación. Se gradua en música en la Hartt School Of Music en 1.997. Entre los álbumes en los que se presenta como saxofonista solista cabe citar “Live At Smalls” (2.011), “Mission Statement” (2.009), “The Overcomers Suite” (2.008), “Gifts And Givers” (2.007), “True Life Stories” (2.006) o “Forever” (2.004), trabajos discográficos brillantes y bien ejecutados donde demuestra un control absoluto sobre el instrumento. Su primera producción discográfica como solista la publica en el sello discográfico Criss Cross Records en el año 1.997 bajo el titulo genérico de “Introducing Jimmy Greene”. Este primer trabajo discográfico contenía un total de ocho composiciones y contaba con la colaboración musical de John Swana (trompeta), Steve Davis (trombón), Aaron Goldberg (piano), Darrell Hall (bajo) y Eric McPherson (batería). Temas como “No Doubt”, “Spring Can Really Hang You Up The Most”, “Re-Affirmation”, “Fly Little Bird Fly” o “I Love You”, no dejaban indiferentes a críticia especializada y público. Como músico y saxofonista de acompañamiento ha participado en más de setenta producciones discográficas y ha girado y grabado con músicos de la talla de Horace Silver, Tom Harrell, Freddie Hubbard, Harry Connick Jr, Avishai Cohen, Kenny Barron, Lewis Nash o Steve Turre. Además de tocar el saxo y la flauta, Jimmy Greene es un experimentado compositor y esta en posesión del prestigioso galardón 2.005 ASCAP/IAJE Commission, premio creado en honor de Ornette Coleman, a lo que hay que sumar que también es profesor de música y coordina los estudios de Jazz de la Western Connecticut State University. En “Beautiful Life”, disco presentado en el mes de Noviembre del pasado año por el sello discográfico Mack Avenue Records, nos encontramos con el músico en palabras mayusculas. Jimmy Greene canaliza su dolor y tristeza a través de la música y se siente agradecido por haber disfrutado de la corta vida de su hija Ana Marquez-Greene. El álbum se abre con el tema titulado “Saludos/Come Thou Almighty King” que cuenta con la presencia vocal de su propia hija, el piano de Isaiah Marquez-Greene y con la guitarra del legendario Pat Metheny. Entre los temas cantados o con presencia vocal destacan “When I Come Home”, “Ana´s Way”, “Prayer” y “Little Voices”. Por lo que respecta a los temas instrumentales, es obligado citar “Last Summer”, “Your Great Name”, “Where is Love”, “Seventh Candle” y “Maybe”. Por lo que respecta a la parte instrumental, Jimmy Greene toca flauta y saxo tenor y soprano. Como colaboradores musicales es obligado citar la presencia de Kenny Barron (piano), Cyrus Chestnut (piano), Javier Colon (vocal), Jonathan DuBose (guitarra), Kurt Elling (vocal), Anika Noni Rose (vocal), Latanya Farrell (vocal), Christian McBride (bajo), Lewis Nash (batería) y Renee Rosnes (piano). Destacable es la presencia del coro conocido como Linden Christian School Early Years Choir, brillantemente dirigido por Brenda Johnson. También no podemos dejar de apuntar la presencia de los violines, violas y cellos (Leonid Sigal, Karin Fagerburg, Millie Piekos, Cyrus Stevens, Yuri Kharenko-Golduber, Michael Pollard, Lu Sun Friedman, Candace Lammers, Krzystof Gadawski, Michael Wheeler, Sharon Dennison, Jeffrey Kriekger, Peter Zay) de la Hartford Symphony Orchestra en temas como “When I Come Home” y “Prayer”. La totalidad del álbum es producido por Jimmy Greene, contando con la producción ejecutiva de Gretchen Valade. El disco fue publicado el 24 de Noviembre del pasado año por el sello discográfico Mack Avenue Records.

NOVEDADES DISCOGRAFICAS. ABRIL

THE SAX PACK – POWER OF 3 (SHANACHIE RECORDS)

BLUEY – LIFE BETWEEN THE NOTES (SHANACHIE RECORDS)

VINCENT INGALA – COAST TO COAST (INDEPENT LABEL)

JULIAN VAUGHN – LIMITLESS (TRIPPIN & RHYTHM RECORDS)

ALLAN HEWITT – EVOLUTION (RED RIVER ENTERTAINT) Seguir Leyendo »

MARCUS PRINTUP: LOST

71mTA+JqSnL__SL1417_Marcus Printup es un trompetista y compositor que merece la pena escuchar. Nacido y crecido en Conyers, localidad perteneciente al norteamericano estado de Georgia. Desde muy pequeño fue influenciado musicalmente por el Gospel, estilo musical que cantaban sus padres en las mañanas de domingo en su iglesia local. Marcus Printup descubre el Jazz mientras estudia como alumno senior en el High School. Gracias a una beca académica asiste a la University Of North Florida y durante su estancia en esa universidad obtiene el International Trumpet Guild Jazz Trumpet Competition. En el año 1.991 conoce al pianista Marcus Roberts, hecho que sin duda le cambia la vida. Gracias a la amistad que traba con Roberts, Marcus Printup entra en contacto con el trompetista Wynton Marsalis que en esos momentos dirigía la Jazz At Lincoln Center Orchestra y en la que se integra Printup. Como trompetista de acompañamiento, Marcus Printup ha grabado y actuado con artistas de la talla de Betty Carter, Dianne Reeves, Eric Reed, Cyrus Chestnut, Wycliffe Gordon o Marcus Roberts, entre otros. Como trompetista solista, actividad que combina con colaboraciones musicales con otros artistas y músicos, Marcus Printup tiene una muy interesante discografía en la que sobresalen álbumes como “Song For The Beautiful Woman” (1.995), “Unveiled” (1.996), “Hub Songs” (1.998), “Bird Of Paradise” (2.010) o “A Time For Love” (2.011), entre otros. En su última producción discográfica presentada en el año 2.013 y titulada “Desire”, el trompetista rendía tributo musical a Antonio Carlos Jobim (“One Note Samba”), Stevie Wonder (“Visions”, “I Can´t Help It”), Duke Ellington (“Melancholia”) y Carol King (“You´ve Got A Friend”). Además, el disco contaba con la presencia de su mujer, la arpista Riza Printup, que además de tocar el harpa a lo largo de todo el álbum componía temas como “Along The Way” y “Rebirth”. El álbum se completaba con la colaboración musical del bajista Ben Williams y del batería E.J. Strickland. El trompetista volvía de nuevo a estar de plena actualidad musical con la presentación del álbum titulado “Lost” que fue presentado por el sello discográfico SteepleChase Records en el mes de Diciembre del pasado año y que es distribuido en España por DistriJazz. Con esta nueva producción musical, el trompetista rinde tributo a la memoria de su padre desaparecido poco antes de que se editara el disco. A lo largo de los ocho temas de que se compone el álbum, el instrumento protagonista es la trompeta de Printup, siempre muy bien acompañada por el saxo de Shantawn Kendrick, el piano de Helen Sung, el bajo de Ben Williams y la batería de Ulysses Owens. Buena prueba de ello son temas como “G Wiz”, “Soul Street Parade”, “Black Bossa” o “What You Talkin´´Bout”. La labor ritmica de todo el disco recae en la batería de Owens y en el bajo de Williams, mientras que el sonido de cuerda lo aporta la pianista texana Helen Sung y el brillo del metal lo pone el gran saxofonista Shantawn Kendrick. El disco se completa con temas como “Hopscotch”, “Lost”, “Homey´s Idea” y “To The Mountain Top”. El trompetista además de tocar la trompeta compone la totalidad del álbum. El disco es grabado en en mes de Febrero del año 2.013 por Chris Sulit, mientras que de la mezcla del mismo se encarga Nils Winther, quien además lo produce. Un disco que recoge el sonido de trompeta de Marcus Printup en su máximo esplendor.

KIRK WHALUM: THE GOSPEL ACCORDING TO JAZZ. CHAPTER IV

81tr0bVX-fL__SL1500_Kirk Whalum es uno de los saxofonistas más importantes de todo el panorama musical norteamericano. Nacido un 11 de Julio de 1.958, Kirk Whalum da sus primeros pasos musicales cantando en la iglesia del coro de su padre en su Memphis natal. Desde sus inicios, Kirk fue influenciado por la música R&B, por el Gospel, por el Blues y por el Jazz. Como alumno asiste a Melrose High School y a la Texas Southern University donde ingresa como músico en la famosa banda con0cida con el nombre de Ocean Of Soul. En el año 1.984 actua como saxofonista telonero del compositor y pianista Bob James en los conciertos que el pianista ofrece en la ciudad de Houston. James queda impresionado por la forma de tocar de Whalum e inmediatamente le invita a participar en su álbum titulado genéricamente “12”. El álbum se componía de un total de 7 temas e incluía “Ruby, Ruby, Ruby”, composición integramente escrita por el saxofonista. En este álbum, Whalum estuvo acompañado de músicos de la talla de Marcus Miller, Eric Gale, Eddie Daniels, Leonard “Doc” Gibbs, Steve Khan, Yogi Horton, David Brown o Ronnie Cuber, entre otros. Después del éxito de “12” el saxofonista tiene el camino allanado y en 1.985 firma contrato discográfica con la compañia Columbia Records presentando su primera producción discográfica como músico solista. “Floppy Disk” -que así se tituló su disco debut- tuvo una excelente acogida por parte de la crítica especializada como del público en general. Se componía de un total de 6 temas e incluía un tema compuesto a medias por el saxofonista y Michael Colina titulado “Rodeo” y temas escritos por el propio Whalum como “Kyle´s Smiles” y “Afterthought”, entre otros. En este primer disco del saxofonista participaban músicos como Bob James, Gary King, Michael Colina, Dave Brown o Buddy Williams, entre otros. Este primer trabajo discográfico y los dos siguientes –“And You Know That!” (1.988) y “The Promise” (1.989)- son producidos por el pianista Bob James. En agradecimiento a la ayuda que James le presta en la producción de sus primeras producciones discográficas, Kirk Whalum graba con Bob James el álbum titulado “Joined At The Hip”, disco que fue un auténtico éxito. La discografía de Kirk Whalum como músico solista se completa con más de veinte trabajos discográficos entre los que destacan “Caché” (1.993), “Colors” (1.997), “Into My Soul” (2.003) o “Kirk Whalum Performs The Babyface Songbook” (2.005). Además, ha puesto el sonido de su saxo en actuaciones en vivo a disposición de músicos y cantantes tan conocidos como Whitney Houston, Yolanda Adams, Take 6, Bebe & Cece Winans, Barbra Streisand, Quincy Jones, Al Green o Luther Vandross, entre otros. Su saxo acompañó a la voz de Whitney Houston en el tema “I Will Always Love You” perteneciente a la banda sonora de la pelicula “The Bodyguard” protagonizada por Kevin Costner y Whitney Houston. La canción “I Will Always Love You” es considerada el single que más ha vendido en la historia de la música interpretado por una vocalista. El brillante sonido del saxo de Whalum también puede ser escuchado en bandas sonoras como “The Prince Of Tides”, “Boyz n The Hood”, “Grand Canyon” o “Cousins”. Como saxofonista ha sido nominado a los prestigiosos Grammy Awards en 12 ocasiones y en el año 2.011 obtiene el preciado galardón en la categoría de “Mejor Canción Gospel” por el tema “It´s What I Do” interpretado junto a la vocalista Lalah Hathaway. Con la serie de álbumes titulada “Gospel According To Jazz”, el saxofonista regresa a sus raices musicales y rinde merecido tributo al Gospel, estilo musical que le marca desde sus comienzos como músico. En 1.998 presenta “Gospel According To Jazz: Chapter I”, en 2.002 lanza “Gospel According To Jazz: Chapter II” y en 2.010 una tercera entrega, “Gospel According To Jazz: Chapter III”. Después del éxito de estas tres entregas musicales, el saxofonista presentaba el pasado mes de Marzo una cuarta entrega: “The Gospel According To Jazz. Chapter IV”. Este nuevo álbum del saxofonista se compone de dos discos compactos y es grabado en vivo desde la Christian Cultural Center del barrio de Brooklyn de la ciudad de New York. Ambos compactos contienen temas instrumentales y también vocales. Entre los instrumentales cabe destacar “Just As I Am”, “This Is The Day”, “Beauty In Strength, Strength In Weakness”, “Ave Maria”, “Sunday´s Best”, “Madiba”, “Nannette” y “Kirk´s Improv”; entre los vocales, “Let´Em In”, “Keep On Pushing”, “My Hero”, “There”, “Wait For The Sunshine”, “Un Amor Supremo”, “Triage”, “Can´t Stay Blue”, “I See You”, “Sometimes I Feel Like A Mother Less Child” o “Love Is The Answer”. A lo largo de la audición de los dos discos compactos, el sonido del saxo de Whalum vuelve de nuevo a ser arrollador y brillante haciendo que el Gospel como género musical sea el protagonista principal de esta cuarta entrega. Kirk Whalum toca el saxo y la flauta y además participa vocalmente en numerosos temas. Entre los músicos invitados, siempre los mejores: Norman Brown (guitarra, vocal), Rick Braun (trompeta, fliscornio, trombón, vocal), Leonard “Doc” Gibbs (percusión), Sheléa (piano, vocal), John Stoddart (piano, teclados, vocal), Gerald Veasley (bajo), Kevin Whalum (vocal), Kenneth Whalum III (saxo), Marcus Finnie (batería), Braylon Lacy (bajo), Ralph T. Lofton (hammond B3), Kevin Turner (guitarra), Kortland Whalum (vocal), Gary Bias (saxo) y Tamara Bodie (vocal). El disco es producido por Kirk Whalum, John Stoddart y Hal Sacks contando con la producción ejecutiva de A.R. Bernard, Earl Cole y Kirk Whalum. El álbum es grabado por Hal Sacks con la participación de Kirk Whalum, John Stoddart, Rick Braun y Annsy Vanoukia, contando con la asistencia técnica de Tim Hall. La grabación adicional del álbum se realiza en At The ComforteR, The Noise Factory y en Brauntosarous Studios. La edición adicional del disco corre de cuenta de Annsy Vanoukia. El álbum es mezclado por David Rideau en Cane River Studios y masterizado por Ron Boustead en Resolution Mastering. De la cubierta del disco se responsabiliza Ajani Sandridge y del diseño gráfico Raj Naik. El disco es publicado por Rendezvous Records/Top Drawer Records. Excelente homenaje al Gospel por uno de los mejores saxofonistas norteamericanos. Imprescindible.

DW3: VINTAGE TRUTH

DW3-Vintage-Truth-300x300DW3 es una potente formación musical vocal. Formada por los hermanos Mondragon –Eric Mondragon y Billy Mondragon– y por el vocalista Damon Reel. Se mueven con soltura y destreza en los terrenos del Urban Soul, del R&B, del Soul contemporáneo y del Funk. En el año 2.011 presentaban el single titulado “I Got You” que contaba con la participación especial del saxofonista Gerald Albright, a lo que hay que añadir que su producción discográfica titulada “On The Floor” alcanzaba la cima de las listas británicas de Soul. En el mes de Marzo del pasado año y con su curriculum como aval, DW3 rubricaba contrato discográfico con el sello Woodward Avenue Records. Después de algunos meses trabajando en estudio y componiendo, finalmente el pasado 17 de Marzo se publicaban su nuevo material discográfico bajo el titulo genérico de “Vintage Truth”. Este nuevo trabajo musical de los hermanos Mondragon y de Damon Reel incluye temas vocales inéditos de la formación musical y versiones de bandas y artistas tan conocidos como Eagles (“I Can´t Tell You Why”), The Pasadenas (“Tribute”), Luther Vandross (“So Amazing”), Stevie Wonder (“Overjoyed”) o Mamas & The Papas (“California Dreamin´”). Entre las composiciones inéditas destacan temas como “Let The Music”, “Hold Me”, “Dance With Me”, “When You Cry”, “She Keeps Runnin´”, “Square One” y “At The Club”. Otro de los atractivos de este nuevo trabajo discográfico de DW3 son las colaboraciones musicales que se incluyen. De esta forma destacamos la presencia musical del teclista y multiinstrumentista Brian Culbertson (“Let The Music”), del guitarrista Paul Brown (“I Can´t Tell You Why”), del trompetista Greg Adams (“Hold Me”), del batería Ricky Lawson (“Dance With Me”, “Overjoyed”, “California Dreamin´”, “When You Cry”), del saxofonista Dave Koz (“When You Cry”), de la vocalista Devi Lu (“California Dreamin¨”, “Square One”), del bajista Darryl Williams (“When You Cry”) y del saxofonista Elan Trotman (“At The Club”). A estos invitados musicales especiales se suman otros como Charles Streeter (batería), Steve Carias (bajo), Rick Marcel (guitarra), Carnell Harell (teclados), Bryant Siono (bajo), Rod Panteja (guitarra), Victor Cisneros (saxo), Jeff Lewis (trompeta), Phillip Ruiz (congas), Roberto Vally (bajo), Marco Basci (teclados), Dale Villavecencio (percusión), Tracy Carter (talk box), Lew Laing (programación), Sean Dancy (teclados), Andre Frappier (guitarra), Michael Angel (guitarra), Oscar Cartaya (bajo), Chris Owens (batería), Nate Mitchell (bajo) y Leonard Jarman Jr (teclados). El disco se inicia con el tema movido “Let The Music” al que se une también como composición rítmica el tema titulado “Hold Me”. Entre los temas ligeros destacan “Dance With Me”, “She Keeps Runnin´” y “Square One”. El disco se completa con la balada titulada “When You Cry” que cuenta con la presencia estelar de Dave Koz. El disco esta producido por DW3, Paul Brown, Ricky Lawson, Sean Dancy, Lew Laing, D. Reynosa, Chris Owens, Steve Carias, Andre Frappier, Leonard Jarman Jr y Tracy Carter. De la producción ejecutiva se responsabiliza Mark C. Nordman, presidente ejecutivo del sello discográfico Woodward Avenue Records, y la propia formación musical. El disco es grabado en AHH SUM Studios, Jam Session Recording y The Funky Joint Studios por Damon Reel, Gordon Rustuold, Luke Graham, Tracy Carter, Sean Dancy, Jay2Six, Lew Laing, Nick Tashjian, Paul Brown y Chris Owens. De la mezcla del disco se encargan Paul Brown, Tracy Carter y Jay2Six, siendo editado el mismo por Ricky Lawson, Damon Reel y Jay2Six. El álbum cuenta con el apoyo publicitario de Rick Scott, presidente ejecutivo de Great Scott P.R.oductions. Este nuevo trabajo de DW3 fue la última aparición musical del batería Ricky Lawson antes de su fallecimiento. El disco está dedicado a su memoria.

lisa hilton horizons

LISA HILTON: HORIZONS

La compositora y pianista californiana Lisa Hilton nunca decepciona. Los que la seguimos desde hace años, somos afortunados al poder disfrutar de sus producciones discográficas prácticamente con una periodicidad anual. Además de excelente pianista y compositora, Lisa Hilton se caracteriza por su amor a la música y por su trabajo discográfico fértil. En una carrera que arranca en el año 1.997 con el lanzamiento de “Seduction”, primera producción discográfica con la que se da a conocer. A partir de ese momento, Hilton conforma una carrera musical envidiable; cada año una nueva producción discográfica nueva en la que cuenta con brillantes y experimentados músicos de Jazz. La música de Lisa Hilton se enmarca y encaja perfectamente en el terreno del Jazz clásico instrumental, estilo musical por el que se decanta como consecuencia de sus estudios clásicos de piano y de composición. A lo largo de su carrera artistica, Lisa Hilton ha estado acompañada habitualmente por su banda, formación compuesta por el batería Lewis Nash, el bajista Larry Grenadier, el trompetista Jeremy Pelt y el saxofonista J.D. Allen. Esta estructura ha sido homogénea a través de los años, pero Lisa Hilton también ha realizado proyectos discográficos donde el único protagonista musical era su piano y también ha ido incorporando nuevas colaboraciones musicales, como por ejemplo los saxofonistas Brice Winston, Steve Wilson y Bobby Militello; los bajistas Christian McBride y Reggie McBride; los baterías Marcus Gilmore y Nasheet Waits y el percusionista Tal Bergman. La pianista alterna la presentación de su álbumes con la realización de numerosas presentaciones en vivo a lo largo de todo el territorio norteamericano, siendo Lisa Hilton una de las pianistas con más actividad musical y que más se prodiga en escenarios y festivales. Hace tan solo unos días -el pasado 7 de Abril- Lisa Hilton nos volvía a sorprender con un nuevo trabajo discográfico que lleva por titulo genérico “Horizons” y que vuelve a poner de manifiesto el alto nivel que la pianista tiene en el manejo del piano y la sobriedad que aporta a sus composiciones. Esta recién estrenada producción discográfica esta llena de colorido musical y la pianista vuelve de nuevo a crear -como solo ella sabe- atmósferas musicales y melódicas inimitables, propias de una gran pianista. Los doce temas que conforman el álbum se inspiran en las fuerzas de la naturaleza y cuenta con la presencia musial del trompetista Sean Jones, que junto a la batería de Rudy Royston, el bajo de Gregg August, el saxo de J.D. Allen y por supuesto, el piano de Lisa Hilton, hacen de “Horizons” uno de los trabajos discográficos más brillantes y mejor trabajados de la pianista californiana. Lisa Hilton compone para esta ocasión temas como “Vapors And Shadows”, “Nocturnal”, “The Sky And The Ocean”, “Surfer Blues”, “Lazy Moon”, “Perfect Day”, “When It Rains”, “Dolphins” y “Currents”. El disco incluye versiones de otros compositores y músicos que en el piano de Lisa Hilton brillan con luz propia. Buena prueba de ello son temas como “Sunset And The Mocking Bird” (Duke Ellington), “Gold On The Ceiling” (Black Keys) y “Moon River” (Mercer & Mancini). Se incluyen temas ligeros, movidos y baladas, además de una pieza musical compuesta solo para piano que se titula “Lazy Moon”. El disco es grabado por James Farber y Akihiro Nishimura en los Avatar Studios el 24 y 25 de Octubre del pasado año. El trabajo es mezclado por Al Schmitt y Steve Genewick en los míticos Capitol Studios, siendo masterizado por Gavin Lurssen en Lurssen Mastering. La producción del álbum corre de cuenta de la propia Lisa Hilton. La preciosa portada de la cubierta del álbum es realizada por Steven Lippman y George Brooks y el diseño artístico del álbum es de Aaron Regan. Excelente nuevo trabajo de Ms Hilton.