BÉLA FLECK: JUNO CONCERTO

Pronunciar el nombre de Béla Fleck es sin duda nombrar el banjo como instrumento. El nombre de este músico norteamericano va unido estrechamente al instrumento del banjo y sin duda es uno de los intérpretes de banjo más originales y de más técnica en la ejecución del mismo. Béla Fleck es conocido en Estados Unidos tanto por tocar en solitario como por formar parte de bandas o formaciones musicales tan conocidas como New Grass Revival o Béla Fleck & The Flecktones. Nacido en la ciudad de New York, comienza a tocar el banjo a muy temprana edad. En el año 1.990 presenta su primera producción discográfica acompañado por The Flecktones, banda con la que finalmente termina montando una formación musical conjunta. Este primer álbum se tituló genéricamente “Béla Fleck And The Flecktones” y fue publicado por el sello discográfico Warner Bros Records. Su carrera como músico solista arranca con la presentación de “Crossing The Tracks” en el año 1.979. Cinco años antes, esto es, en 1.972 se une a la formación musical conocida como New Grass Revival para grabar el primer álbum titulado igual que la banda. El trabajo y las colaboraciones que Béla Fleck realiza para sus propios álbumes y para el de otros artistas no solo se circunscribe a un estilo musical de la música Country o del Folk. El músico se mueve en terrenos musicales tan variados como el Jazz, el Pop o incluso la World Music. De hecho, Béla Fleck ha sido el instrumentista que aparece más nominado en más categorías de los Grammy Awards. Así, figura en categorias tan variadas como “Mejor Album Contemporáneo” de World Music, “Mejor Interpretación de Pop Instrumental”, “Mejor Album de Crossover Clásico”, “Mejor Interpretación Instrumental Country”, “Mejor Album de Jazz Contemporáneo” o “Mejor Composición Instrumental”. Dicho esto, podemos afirmar que estamos en presencia del abanderado de la música Bluegrass y del banjista más popular de todos los tiempos. Después de interesantes colaboraciones con Abigail Washburn y Chick Corea, el más reciente trabajo discográfico de Béla Fleck publicado por el sello discográfico Rounder Records lleva por titulo genérico “Juno Concerto”, concierto de banjo y en el que es acompañado por The Colorado Symphony, magistralmente dirigida por José Luis Gómez. En esta segunda entrega -su primera fue en el año 2.011 con la presentación del álbum titulado “The Impostor”– el músico presenta un disco dirigido a los amantes de la música clásica y de la música instrumental, donde el banjo, como instrumento con protagonismo propio, ocupará un lugar relevante. Siguiendo los cánones de la música clásica, el disco se presenta tres movements de larga duración (por encima de los ocho minutos), un tema titulado “Griff” y un movement final denominado Quintet For Banjo And Strings: Movement II. La totalidad del álbum esta dedicado a la pequeña hija de Béla Fleck.

BRIAN CULBERTSON: FUNK!

Citar el nombre de Brian Culbertson supone nombrar uno de los artistas más activos y cotizados de todo el panorama del Jazz contemporáneo norteamericano. Compositor, músico, multiinstrumentista y productor, inicia su carrera musical en el año 1.994 en su Illinois natal con la presentación del álbum titulado “Long Night Out”, disco que presagiaba una exitosa carrera artística. Posteriormente vendrían producciones discográficas como “Secrets” (1.997), “Sometin´About Love” (1.999), “Nice & Slow” (2.001), “Bringing Back The Funk” (2.008) o “XII” (2.010), entre muchos otras, convirtiendo al pianista  en uno de los músicos de referencia dentro del estilo musical del Smooth Jazz o del Jazz Contemporáneo. Dotado de una gran habilidad para tocar instrumentos tan variados como teclados, piano, trombón o bajo, Culbertson, desde sus inicios musicales a comienzos de la década de los 90´s, siempre se ha sabido rodear de excelentes músicos de sesión del área de Los Angeles y sus producciones -tanto discográficas como sus presentaciones en vivo- destacan por una puesta en escena impecable y brillante. Después del exitoso álbum del 2.008 titulado “Bringing Back The Funk”, ahora Brian Culbertson vuelve a retomar el sonido Funk con una nueva producción discográfica publicada el mes de Septiembre del pasado año bajo el titulo genérico de “Funk!” Lo que nos vamos a encontrar en “Funk!” es la mejor fusión y combinación de Soul, Jazz y R&B, en esta ocasión, con el protagonismo del piano y de los teclados de Brian Culbertson. A diferencia de los álbumes instrumentales de Brian Culbertson, este nuevo trabajo es totalmente vocal con excepción de “Hey Girl”, único tema instrumental. Sin duda alguna estamos ante un álbum trepidante lleno de ritmo y que se encuentra claramente orientado para ser tocado en vivo. Temas como “Get Ready”, “The Call”, “Been Around The World” o “Let´s Take A Ride”, entre otros, invitan a bailar de forma incontrolable. Brian Culbertson además de estar al mando de los teclados y piano, toca trombón, Hammond B3 y le pone voz y coros a todos los temas. Como en anteriores producciones discográficas, el aspecto musical Culbertson cuenta con los mejores: Chance Howard (bajo), Marqueal Jordan (saxo), Eddie Miller (vocal), Tyrone Chase (guitarra), St Paul Peterson (guitarra), Michael Stever (trompeta), Franklin “Third” Richardson (batería), Rodney Jones Jr (bajo), Khary Parker (batería), Major (vocal), Shelton Reynolds (guitarra), Chris Miskel (batería, percusión), Angela Martin (vocal) y Bob Horn (bajo). El disco es producido por Brian Culbertson para BCM Entertainment, Inc. En definitiva Funk! en estado puro.

RAUL MIDON: BAD ASS AND BLIND

El vocalista, guitarrista, compositor y multiinstrumentista Raul Midón es uno de esos músicos eclécticos que difícilmente encaja en una categoría o estilo musical. Nacido en el norteamericano estado de New México de padres argentinos y afroamericanos. Después de pasar por la incubadora junto a su hermano gemelo, queda invidente para el resto de su vida. Con tan solo cuatro años de edad, su padre comienza a introducirle en el mundo sonoro de los instrumentos: su primer instrumento es la batería. Inmediatamente, Midón se convierte en un amante de los instrumentos de percusión y comienza a tocar la guitarra gracias a un programa de educación especial. Sus estudios académicos los realiza en la University Of Miami. Combina un estilo único de música vocal e instrumental donde está muy presente la música latina. También se mueve con soltura en terrenos musicales del Jazz, Blues, R&B e incluso Folk. Su carrera como músico profesional arranca ejerciendo como cantante de sesión para artistas como Shakira, Julio Iglesias o José Feliciano. Se establece en la ciudad de New York para dedicarse a su carrera como vocalista y músico solista. El productor Arif Mardin lo ficha para el sello discográfico Manhattan Records para presentar y lanzar su álbum titulado “State Of Mind” (2.005). Anteriormente a este lanzamiento internacional, Raul Midón tenía publicados tres trabajos discográficos anteriores: “Gracias A La Vida” (1.999), “Blind To Reality” (2.001) y “Raul Midón” (2.003). Como cantante y músico, Raul Midón ha trabajado y colaborado con músicos y artistas como Stevie Wonder, Herbie Hancock o Queen Latifah. Su discografía se completa con álbumes tan interesantes como “A World Within A World” (2.007), “Synthesis” (2.010), “Invisible Chains. Live From NYC” (2.012) y “Don´t Hesitate” (2.014). Después de una espera de casi tres años, Midón ya tiene trabajo discográfico nuevo; “Bad Ass And Blind” fue publicado por el sello discográfico Artistry Music Records el pasado mes de Marzo y es ya todo un éxito. En este flamante álbum, el talentoso músico y vocalista nos ofrece un total de once composiciones íntegramente compuestas y arregladas por el mismo. Talento vocal y destreza en el manejo de la guitarra; composiciones frescas y combinaciones de estilos musicales tan diferentes como Rock, Pop, Jazz e incluso Rap: esta es la “marca de agua” de “Bad Ass And Blind”, uno de los mejores trabajos discográficos hasta la fecha de Raul Midón. El disco se inicia con el tema que da titulo al álbum y que no deja indiferente al oyente. A este titulo le seguirán otros como “If Only”, “Red, Green, Yellow”, “Pedal To The Metal”, “Fly Like An Eagle” o “You & I”, entre otros. A esto hay que sumar que el cantante y guitarrista no puede estar mejor acompañado musicalmente: Richard Hammond (bajo), Lionel Cordew (batería), Federico González Peña (teclados), Gerald Clayton (piano), Joe Sanders (bajo), Gregory Hutchinson (batería), Nicholas Payton (trompeta) y Jean-Philippe Rykiel (teclados). Uno de los álbumes importantes de este 2.017. Congratulations Mr Midón.

BILLY CHILDS: REBIRTH

Billy Childs siempre ha sido un músico serio. 13 nominaciones a los Grammy Awards lo avalan sobradamente.  Compositor y pianista, su música básicamente se encuadra en el género del Jazz. Descubierto por el trompetista Freddie Hubbard con quien además de grabar numerosas producciones discográficas, también realiza extensas giras por territorio americano. Iniciado en la música de Jazz, el pianista comienza a relacionarse con músicos como J.J. Johnson, Joe Henderson y Wynton Marsalis con los que acaba tocando y participando como músico de acompañamiento en sus producciones discográficas. En el año 1.988 el sello discográfico Windham Hill Records le hace una oferta que no puede rechazar: presenta el álbum titulado “Take For Example This”. A este álbum le siguen otros tan interesantes como “Twilight Is Upon Us” (1.989), “His April Touch” (1.991) y “Portrait Of A Player” (1.992). Su discografía se completa con álbumes como “I´ve Know Rivers” (1.995) y “The Child Within” (1.996). Pero el éxito le llega en 2.005 y 2.010 respectivamente, con la publicación de dos álbumes que le hacen ganar dos Grammy Awards, después de obtener cinco nominaciones a los mismos: “Jazz-Chamber Music Vol I” y “Autumn: In Morning Pictures”. Como complemento, a Billy Childs le gusta alternar su carrera como músico con la de compositor; su proyección en esta disciplina le ha llevado a colaborar con Los Angeles Philharmonic, The Detroit Symphony Orchestra, Los Angeles Master Chorale, The Lincoln Center Jazz Orchestra o The American Brass Quintet. Desde el 2.014, año en el que presentó su álbum titulado “Map To The Treasure: Reimagining Laura Nyro”, disco en el que trabaja junto a vocalistas y músicos de la talla de Shawn Colvin, Chris Botti, Lisa Fischer, Renée Fleming, Yo-Yo Ma, Rickie Lee Jones, Alison Krauss, Ledisi, Dianne Reeves, Esperanza Spalding o Wayne Shorter, entre otros, el pianista norteamericano no había publicado ninguna nueva producción discográfica. El pasado mes de Marzo, el sello discográfico Mack Avenue Records presentaba “Rebirth”, flamante nuevo álbum de Billy Childs. Se compone de un total de ocho composiciones; seis compuestas por el pianista y dos versiones de clásicos de Michel Legrand (“The Windmills Of Your Mind”) y Horace Silver (“Peace”). Disco instrumental que también incluye presencia vocal con la participación de Claudia Acuña en el tema que titula el álbum y, de Alicia Olatuja que pone voz a la composición titulada “Stay”. Por lo que respecta a los músicos que acompañan al pianista, hay que decir que es el típico trío de Jazz conformado en esta ocasión por Steve Wilson (saxo), Hans Glawischnig (bajo) y Eric Harland (batería). Como músicos invitados es obligado citar al trombonista Ido Meshulam y al percusionista Rogerio Boccato que participan en el tema “Rebirth”. Estoy seguro que gustará a los amantes del Jazz más clásico.

RICHARD ELLIOT: SUMMER MADNESS

Nombrar a Richard Elliot es citar a uno de los grandes. Saxofonista, compositor y músico de estudio. Tras abandonar en 1.986 un cómodo y estable puesto de trabajo como saxofonista en la reputada formación The Tower Of Power, el lanzamiento discográfico de “Trolltown”, supone el arranque de su carrera como saxofonista solista, que en muy poco tiempo se convierte en meteórica. Además, se inicia como músico de acompañamiento ofreciendo el sonido de su saxo a artistas tan brillantes como Natalie Cole o The Pointer Sisters.  Después de 30 años de carrera artística y musical, Richard Elliot es considerado uno de los referentes del Smooth Jazz, del Jazz instrumental y del Jazz Contemporáneo. En el año 2.010 obtiene un American Smooth Jazz Award en la categoría de “Mejor Instrumentista de Viento”. Su carrera musical se ha ido cimentando poco a poco con producciones discográficas tan sobresalientes como  “Power Of Suggestion” (1.988), “Take To The Skies” (1.989), “What´s Inside” (1.990), “On The Town” (1.991), “After Dark” (1.994) o “City Speak” (1.996). Su extensa discografía alcanza más de una veintena de producciones discográficas, aumentándose en un álbum más con la publicación de su último trabajo discográfico titulado genéricamente “Summer Madness”. En esta ocasión, el saxofonista vuelve a hacer mancuerna con su amigo y trompetista Rick Braun, que además de producir el disco, escribe algunos temas junto a Richard Elliot y el bajista Nathaniel Phillips. El disco incluye versiones de temas tan clásicos como “Summer Madness” (Kool & The Gang), “Cachaca” (Jay Beckenstein) y “Europa”, tema originalmente compuesto por Santana y que en esta nueva versión cuenta con el protagonismo vocal de Rebeca Vega. El nuevo disco de Elliot recoge temas instrumentales donde la frescura musical y las melodías bien arregladas tienen protagonismo propio. Buena prueba de ello son temas como “West Coast Jam”, “Breakin´It Down”, “Back To You” o “Harry The Hipster”, entre otros. Acompañan a Richard Elliot en este nuevo capitulo musical músicos tan notables como Ron Reinhardt (teclados), Randy Jacobs (guitarra), Nathaniel Phillips (bajo), Franklin Richardson III (batería), Lenny Castro (percusión), Rick Braun (trompeta, trombón), Curt Waaylee (saxo), Gerey Johnson (guitarra) y Eric Valentine (batería). El disco es publicado por el sello discográfico Heads Up Records. Imprescindible.

GORDON GOODWIN´S LITTLE PHAT BAND: AN ELUSIVE MAN

La banda Big Phat Band es una de esas formaciones musicales que es obligado escuchar. Creada y dirigida por el multiinstrumentista Gordon Goodwin, se caracteriza por su imponente y poderosa sección de metal. Gordon Goodwin es compositor, músico, arreglista y director de orquesta que siempre estuvo influenciado por el sonido Big Band; nacido en el norteamericano estado de Kansas, siendo un adolescente escribe su primera composición de Big Band que la titula “Hang Loose”. Sus estudios musicales los realiza en la California State University junto a la dirección musical de Joel Leach y de Bill Calkins. Sus primeros pasos musicales como músico los da en la banda de música del famoso parque de atracciones Disneyland en la localidad de Anaheim, California. Incluso escribe los shows musicales que se desarrollan en el parque de atracciones para los turistas. Después de su paso por Disneyland, termina enrolado en la orquesta de Louie Bellson junto a los saxofonistas Pete Christlieb y Don Menza. El joven y ambicioso músico se da cuenta que su futuro se encamina a la formación de una potente banda donde predomine una poderosa sección de metal. Se pone manos a la obra y en poco tiempo logra conformar una banda de 18 componentes donde prima la sección de viento compuesta por saxos, trompetas y trombones, además de una brillante sección rítmica donde el propio Goodwin toca el piano y el saxo además de componer y arreglar. Además, The Big Phat Band desde sus comienzos, ha mantenido una sección de músicos invitados que ha colaborado con la Big Band en sus proyectos discográficos. Buena prueba de ello es la presencia como músicos invitados de artistas tan conocidos como Eddie Daniels, Take 6, Brian McKnight, Johnny Mathis, Michael Brecker, Arturo Sandoval, David Sanborn, Dianne Reeves, Chick Corea, Nathan East, Lee Ritenour, Marcus Miller o Patti Austin, entre muchos otros. En el año 2.001, Gordon Goodwin y su Big Phat Band presentan su primer álbum titulado “Swingin´For The Fences” que rápidamente se convierte en el álbum de Jazz más importante del año. Dos años más tarde, en el 2.003, la banda es nominada a los Grammy Awards en la categoría de “Mejor Album de Jazz”, “Mejor Composición Instrumental” y “Mejor Arreglo Vocal” por el álbum titulado “XXL” publicado ese mismo año. Posteriormente vendrán discos tan buenos como “The Phat Pack” (2.006), “Act Your Age” (2.008) o “That´s How We Roll” (2.011). Ahora y después de la presentación de su álbum navideño presentado el mes de Diciembre pasado bajo el titulo genérico de “A Big Phat Christmas Wrap This”, la banda -en esta ocasión, bajo la denominación de Little Phat Band– dirigida por Gordon Goodwin tiene trabajo discográfico para este año que se presenta bajo el titulo genérico de “An Elusive Man”. En esta ocasión reúne una banda algo más reducida compuestas por Wayne Bergeron (trompeta), Eric Marienthal (saxo), Andy Martin (trombón), Andrew Synowiec (guitarra), Rick Shaw (bajo), Bernie Dresel (batería) y Joey De Leon (percusión). Por supuesto, Gordon Goodwin continua dirigiendo la orquesta además de tocar el piano, el saxo y llevar a cabo el arreglo de todos los temas. Todos los temas son compuestos por el propio Goodwin a excepción de “Walkin´”, de Richard Carpenter y, “In A Sentimental Mood”, de Duke Ellington. El disco es publicado por el sello discográfico MOC Records. Sonido Big Band en estado puro.

JACKIEM JOYNER: MAIN STREET BEAT

Si no hubiera sido por la música, la vida de Jackiem Joyner sería hoy muy distinta. Afortunadamente, la práctica del saxo alejó a Joyner de malas compañías que le hubieran llevado a tomar el camino equivocado. Pero de eso hace ya mucho tiempo y en la actualidad, Jackiem Joyner es uno de los saxofonistas jóvenes norteamericanos que siguen apostando por hacer y seguir difundiendo Jazz Contemporáneo. Los primeros pasos musicales los da en la iglesia; Joyner formaba parte del coro y ponía una nota musical con el manejo de su saxofón. Este joven originario de Norfolk, localidad perteneciente al norteamericano estado de Virginia, comienza a adquirir tablas subiéndose a escenarios locales y tocando en infinidad de clubes de su estado natal. El reconocimiento no tarda mucho en llegar y siempre que se sube a un escenario es presentado con el nombre artístico de “Lil´Man Soul”, apodo musical creado por los pianistas Bobby Lyle y Marcus Johnson. Un inadvertido primer álbum –“This Time Around”– publicado en un sello discográfico independiente y de poca proyección promocional supone el inicio discográfico de un músico con talento innato. Posteriormente y con un respaldo discográfico justo y necesario, verán la luz álbumes tan brillantes como “BabySoul” (2.007), “Lil´Man Soul” 2.009), “Jackiem Joyner” (2.010) o “Evolve” (2.014). Ahora, después de un arduo proceso de composición, el saxofonista ya tiene su nueva producción discográfica que será presentada por el sello discográfico Artistry Music el próximo 30 de Junio bajo el titulo genérico de “Main Street Beat”. En este nuevo álbum de Joyner se recogen un total de once composiciones en la que cuenta con la colaboración musical de músicos tan renombrados como Raymond Johnson, Carnell Harrell, Kyle Bolden, Darryl Williams, Nikolai Egorov, Gabe Roland, Dee Cole-Laing, Britt Frappier, Michael “Big Mike” Hart Jr, Steve Oliver, Nick ColionneTimothy Bailey Jr. El single presentación del álbum lleva por titulo “Trinity” y cuenta con la presencia de la guitarra de Steve Oliver. A este titulo se unen otros como “Back To Motown”, “Main Street”, “Treasure”, “Southside Boulevard” o “Get Down Street”, entre otros. La fiesta de presentación oficial del álbum tendrá lugar el próximo 25 de Junio en un evento musical celebrado en el Mediterranean´s Jazz And Super Club de San Diego y que contara con la presencia del propio Joyner. Sin duda, será uno de los discos del año.         

KEVIN EUBANKS: EAST WEST TIME LINE

Kevin Eubanks es todo un músico de leyenda. Guitarrista, compositor y director musical. Nacido el 15 de Noviembre en la ciudad de Philadelphia. Proviene de una familia netamente musical. A saber: Vera Eubanks (su madre) fue vocalista de Gospel, pianista y organista; Ray Bryant (su tío) un reputado pianista de Jazz; Robin Eubanks (su hermano mayor) es trombonista y Duane Eubanks (su hermano menor) es trompetista. Los inicios musicales de Eubanks van unidos a tres instrumentos: violín, trompeta y piano. Finalmente, cursando estudios en la Settlement Music School de Philadelphia decide decantarse por la guitarra como instrumento elegido. De la escuela de música de Philadelphia pasa directamente a matricularse en la Berklee College Of Music de Boston. Finalizados sus estudios musicales se traslada a la ciudad de New York para comenzar su carrera como músico profesional. Será en la gran manzana donde tenga la oportunidad de tocar con los más grandes del Jazz de la época: Art Blakey, Roy Haynes, Slide Hampton, Sam Rivers, McCoy Tyner, Ron Carter o Dave Holland, entre otros. Con 25 años presenta su primera producción discográfica que publica el sello discográfico Elektra Records bajo el titulo genérico de “Guitarist”. En 1.986 el sello propiedad de David Grusin y de Larry Rosen -GRP Records- le proponen firmar un contrato discográfico que implica la edición sietes álbumes consecutivos del guitarrista. Sera en esta época cuando su proyección musical -y por que no decirlo, también comercial- alcance niveles estratosféricos. El olfato musical de Grusin y Rosen no falla: álbumes como “Sundance” (1.984), “Opening Night” (1.985), “Face To Face” (1.986), “Heat Of Heat” (1.987), “Shadow Prophets” (1.988), “The Searcher” (1.989) y “Promise Of Tomorrow” (1.990) son éxito de ventas y la popularidad de Kevin Eubanks alcanza sus cotas más altas. En 1.992 se aleja durante un largo tiempo de las producciones discográficas al convertirse en director musical de Tonight Show Band, formación musical que participa en vivo en el programa The Jay Leno Show presentado por el showman Jay Leno. En el año 2.010 el sello discográfico Mack Avenue Records requiere sus servicios publicándose álbumes como “Zen Food” (2.010), “The Messenger” (2.012) o “Duets”, disco presentado en el año 2.015 y en el que colabora el también guitarrista Stanley Jordan. El pasado 7 de abril, el sello discográfico Mack Avenue Records, presentaba el nuevo trabajo discográfico del guitarrista bajo el titulo genérico de “East West Time Line”. El disco incluye composiciones inéditas del propio Eubanks y versiones de temas tan conocidos como “What´s Going On” (Marvin Gaye), “Take The Coltrane” (Edward Kennedy Ellington) o “Captain Señor Mouse” (Chick Corea), entre otras. A lo largo de todo el álbum, el guitarrista se rodea de los músicos que le han acompañado a lo largo de los años: Orrin Evans (piano), Dave Holland (bajo), Nicholas Payton (trompeta), Jeff “Tain” Watts (batería), Rene Camacho (guitarra), Mino Cinelu (percusión), Bill Pierce (saxo) y Marvin “Smitty” Smith (batería). Guitarra y destreza musical en estado puro.      

VERY UNCOMMON PEOPLE

La escasa presencia del Jazz en España a lo largo de los años ha sido una constante, a diferencia de nuestro vecino Francia, país que cuenta con una tradición jazzística envidiable. Leonard Feather, en su prestigiosa y difundida Enciclopedia del Jazz deja claro este extremo: “España, es un desierto para el Jazz“. El número de músicos con proyección internacional es mínimo y escaso, reduciéndose a nombres tan ilustres como Tete Montoliu, Pedro Iturralde o Juan Carlos Calderón. A esta reducida y exclusiva lista hay que añadir un nombre que tiene luz propia. Me estoy refiriendo al pianista y compositor Francisco Barriuso López, artísticamente conocido como Kiko Barriuso, líder de la formación musical conocida como Very Uncommon People. A pesar de su juventud, Kiko Barriuso es todo un veterano de la escena musical española. A temprana edad comienza a tocar el piano, alternando este instrumento con el manejo de la guitarra. Decidido a convertirse en músico profesional inicia sus estudios musicales en el conservatorio, interesándose por estilos musicales tan variados como el Rock, el Pop y la música clásica. Desde muy joven se sube a los escenarios y toca con bandas locales en Madrid, experiencia que le proporciona “tablas” y profesionalidad. Las influencias musicales de Barriuso se orientan al Rock clásico de las décadas de los 60´s y 70´s, no dando nunca la espalda a la música clásica, estilo musical con el que se inicia. La pasión por el Jazz le llega pronto y se convierte en ingrediente fundamental a la hora de componer y ejecutar música en vivo. Las referencias de Kiko Barriuso no pueden ser de más calidad: bandas como Weather Report y Return To Forever y, músicos legendarios de la talla de Keith Jarrett y Chick Corea están muy presentes en su música y en su forma de tocar. Very Uncommon People, formación musical de Kiko Barriuso, presentaba su álbum debut en el año 2.013. En esta primera producción discográfica de la banda liderada por Barriuso nos vamos a encontrar Jazz instrumental del mejor y, además, español. ¡Que más se puede pedir! A través de su banda, Barriuso trata de desarrollar ideas musicales propias apoyándose en los músicos que le acompañan en esta primera entrega musical. Al mismo tiempo, con Very Uncommon People se pretende explorar nuevas sensaciones musicales y compartirlas con los músicos que forman parte de este primer proyecto musical. El disco se compone de un total de diez temas instrumentales al que se añade la composición “It´s Hard To Fall In Love”, único tema con presencia vocal del disco compuesto entre Kiko Barriuso y Carlos Bort e interpretado por Sheila Blanco y Alexis Latorre. El álbum esta grabado en vivo y en directo en el estudio de grabación y cuenta con la presencia de tres instrumentos que son fundamentales: Piano (Kiko Barriuso), Bajo (Jesús Novillo) y Batería (Ángel Novillo). Como invitados musicales se cuenta con Fernando “Fil” Suarez (guitarra eléctrica), Raúl Vlanco (guitarra), Roberto Rioja (saxo), Sheila Blanco (vocal) y Alexis Latorre (vocal). El disco arranca con el tema titulado “Vidas Paralelas”, tema ligero que pone de manifiesto el buen hacer de los componentes de la banda. A este tema se unen otros como “Caravana”, “Following You”, “Atomic Funk”, “Miles Away” o “See You At The George”, entre otros. Todos los temas son compuestos por Very Uncommon People a excepción de “Desde Dentro”, “Vidas Paralelas” y “Suave”, escritos y arreglados por Kiko Barriuso. Excelente producción discográfica de una banda de Jazz cien por cien española.

TYLER REESE: REMINISCENCE

Guitarrista, compositor y productor. Virtuoso del instrumento. Experiencia demostrada en presentaciones en vivo, músico de sesión, instrumentista contemporáneo. Mezcla y combina Jazz, Fusión, Rock, Funk y R&B. Esta sería la ficha del músico y multiinstrumentista Tyler Reese, artista localizado en la norteamericana y muy musical ciudad de Nashville. Reese comienza a tocar el piano con tan solo tres años; diez años después toca con soltura guitarra y saxo. Alumno aventajado de la prestigiosa Berklee College Of Music, ha recibido lecciones y ha estudiado junto a Pat Metheny, tocando posteriormente junto al desaparecido Prince. A pesar de su juventud -23 años- su discografía es extensa: “Risus21” es su primera producción discográfica publicada cuando tan solo cuenta con 15 años. Además hay que añadir álbumes como “Going Home”, “The Dease Reese Project: Life In 20″, “Simply To Choose” y “Because I Can”. En Noviembre del pasado año, Tyler Reese presentaba su última producción discográfica bajo el titulo genérico de “Reminiscence”. Además de “Moving Out”, single extraído del álbum, el nuevo trabajo de Reese contenía un total de 9 temas más un bonus track del single en formato radio versión. El guitarrista cuenta con la presencia musical y colaboración de músicos como Gary Grainger (bajo), Carl White (bajo), Mark Fain (bajo), Toby Fairchild (batería), Matthew Burgess (percusión), Paul Rucker (piano), Tim Lorsch (violín), Roy Agee (trombón), Vinnie Ciesielski (trompeta) y Tyler Summer (saxo). Todos los temas son compuestos y arreglados por el guitarrista, que igualmente produce el disco junto a Jeff Silverman. El disco es publicado por el sello discográfico Remu Records.

LISA HILTON: DAY & NIGHT

La pianista y compositora californiana Lisa Hilton es habitual en estas páginas musicales. Llevamos hablando y escribiendo sobre su música desde el año 2.009. Hemos disfrutado de álbumes tan buenos como “Sunny Day Theory” (2.008), “Twlight & Blues” (2.009), “Underground” (2.011), “American Impressions” (2.012) o “Getaway” (2.013), entre muchos otros. Es una de las pianistas más prolíficas y trabajadoras de todo el panorama musical norteamericano: prácticamente, presenta una producción discográfica nueva cada año o temporada, a lo que hay que sumar sus numerosas presentaciones en vivo a lo largo de la extensa geografía norteamericana. Su primer lanzamiento discográfico se producen en la década de los 90´s con la presentación del álbum titulado “Seduction”; desde ese momento, no ha parado de componer, grabar y presentar discos nuevos. Su estilo musical se orienta al Jazz instrumental y clásico, donde el piano se convierte en el instrumento protagonista. Su forma de tocar el piano es pausada y armónica y la destreza y control del instrumento es total, creando composiciones y atmosferas musicales únicas. Habitualmente se acompaña de músicos de la talla de Lewis Nash (batería), Nasheet Waits (batería), Larry Grenadier (bajo), Brice Winston (saxo), J.D. Allen (saxo) o Jeremy Pelt (trompeta). Una de las cosas que más nos gustan de Lisa Hilton es que alterna producciones discográficas en formato de trío o de cuarteto con sus álbumes en los que el único instrumento protagonista es el sonido de su piano. Después de “Nuance”, álbum de “solos de piano”, la pianista nos vuelve a sorprender con un excelente nuevo trabajo discográfico de solo piano. Lleva por titulo genérico “Day & Night” y se compone de un total de 10 composiciones; 9 temas compuestos por la propia Hilton, y la versión del clásico de Cole Porter -“Begin The Beguine”- en solo de piano. Lisa Hilton vuelve a mostrar sus dotes de compositora voraz con temas como “Sunrise”, “Dark Sky Day”, “Caffeinated Culture” o “So This Is Love”, entre otras. A lo largo de este brillante álbum, se encuentran muy presentes influencias musicales de músicos legendarios como el propio Porter, Horace Silver o “Count” Bill Basie. La grabación y producción del álbum es impecable; nadie lo hace mejor que Lisa Hilton. Cuenta con los mejores: Al Schmitt (grabación y mezcla), Gavin Lurssen (masterización) y Capitol Studios (no hay más que añadir). El nuevo álbum de Lisa Hilton fue presentado en el mes de Diciembre del pasado año. Sobresaliente.

OLLI HIRVONEN: NEW HELSINKI

A pesar de no ser muy conocido, Olli Hirvonen es un excelente guitarrista. De origen finlandés pero afincado en el neoyorquino barrio de Brooklyn, Hirvonen es el ganador del Montreux Jazz Guitar Competition del pasado año. A esto hay que añadir, que por derecho propio, es ya uno de los músicos nórdicos más sobresalientes de su generación. Consigue un sonido genuino y original al mezclar estilos musicales como el Jazz, el Rock e incluso sonido y música experimental. Con tan solo 9 años comienza a tocar guitarra clásica y piano. Su pasión por el Jazz le lleva a matricularse en el departamento de Jazz de Sibelius Academy, prestigiosa escuela de Jazz donde comparte estudio y música con Tim Hagans, Raoul Björkenheim y Teemu Viinikainen. En el año 2.011 se traslada a la Manhattan School Of Music de New York para cursar un Master Degree en música. Sus primeras apariciones musicales en vivo las lleva a cabo junto al bajista Marty Kenney y el batería Nathan Ellman. En el año 2.014 presenta su álbum debut bajo el titulo genérico de “Detachment”, acompañándole en este primer proyecto musical el saxofonista Frederick Menzies, el bajista Jeff Koch y el batería Philippe Lemm. Este primer disco incluye temas como “The Gift”, “One On One” o “Submission”, entre otros. El pasado 14 de Abril, el guitarrista Olli Hirvonen presentaba su muy esperada segunda producción discográfica titulada genéricamente “New Helsinki”. Este disco incluye siete composiciones inéditas compuestas en su integridad por el guitarrista, que además se acompaña de Walter Smith III (saxo tenor), Adam O´Farrill (trompeta), Luke Marantz (piano) Marty Kenney (bajo) y Nathan Ellman-Bell (batería). El disco es publicado por el sello discográfico Edition y es distribuido en España por Karonte Distribuciones.