JUAN GARCIA ESQUIVEL: OTHER WORLDS OTHER SOUNDS & MORE OF OTHER WORLDS, OTHER SOUNDS

Juan García Esquivel era conocido artísticamente solo por su segundo apellido. Esquivel, además, tenía otros apodos: The King Of Space Age Pop o The Busby Berkeley Of Cocktail Music. Fue un visionario de la música. Con tan solo 14 años era ya pianista de la emisora de radio XEW-AM -de las pocas emisoras de radio que podían captarse y escucharse en todo México DF-, y cumplidos los 18 dirige una orquesta de 22 miembros. A temprana edad se interesa por la ingeniería especializándose en electrónica en el Instituto Politécnico Nacional. Todo apunta a que Esquivel fue el inventor del Lounge, género musical de vanguardia en aquellos años que aportó frescura al Jazz al combinarse con otros estilos y géneros musicales.  Mexicano de nacimiento (Tampico, 20 de Enero de 1.918), en el año 1.958 se traslada a los Estados Unidos como consecuencia de la firma de un contrato discográfico para realizar grabaciones para el sello RCA Victor. Durante su estancia en los Estados Unidos, en la década de los 60´s, compone arreglos para los Universal Studios y escribe bandas sonoras para películas y series de televisión. Su música se puede escuchar en películas y series tan conocidas como Los Angeles de Charlie, Los Picapiedra, La Mujer Biónica, Harry y los Henderson o Alfred Hítchcock, entre muchas otras. Asimismo, protagoniza exitosos conciertos dirigiendo a su orquesta en los numerosos casinos de Las Vegas. Sus composiciones le llevaron a realizar giras con su orquesta por todo el mundo teniendo la oportunidad de granjearse la amista, el respeto y la admiración de artistas como Frank Sinatra, Walt Disney o Quentin Tarantino, entre otros. Su actividad en el mundo de la música fue prolífica: Director de bandas, pianista, arreglista, compositor y productor. A día de hoy y, transcurridos quince años de su fallecimiento, Esquivel todavía sigue siendo reconocido por su sofisticado estilo musical que combina elementos de Mambo, Bossa Nova, Chachachá,  Lounge y Jazz con ritmos y sonidos latinos. Fue pionero -muchos dicen que inventor y creador- del estilo de música conocido con el nombre de Space Age Pop, siendo de los primeros en experimentar con la música electrónica. Básicamente, el éxito de la obra de Esquivel se produjo en los Estados Unidos durante su estancia americana. Finalizada la misma, regresa a su México natal para hacerse cargo de la música del programa de televisión infantil Burbujas. La música de este programa de televisión fue incluida en un álbum del que se llegó a vender un millón de copias. El sonido creado por Esquivel era tan peculiar y original, que en un momento dado, Microsoft consideró que podía ser interesante usar los sonidos del compositor para el sistema operativo Windows 95. La música y los sonidos creados por Esquivel vuelven a estar de moda. Y es que el sello discográfico Jackpot Records desempolva el catalogo clásico del artistas y nos ofrece la posibilidad de disfrutar de su discografía básica digitalmente remasterizada en 24 bit. La primera entrega consiste en dos álbumes “comprimidos” en un solo disco compacto: “Other Worlds, Other Sounds” (1.958) y “More Of Other Worlds, Other Sounds” (1.962). El primero publicado originariamente por el sello discográfico RCA Victor Records; el segundo por Reprise Records. En ambos álbumes, Esquivel se presenta como pianista, arreglista y conductor de su orquesta. En “Other Worlds, Other Sounds” se cuenta con la participación vocal de Randy Van Horne y de su grupo. En este compacto se incluyen temas tan clásicos y conocidos como “Granada”, “Begin The Beguine”, “Night And Day”, “Ballerina”, “I Get A Kick Of You” o “One For My Baby”. En el año 1.994 Esquivel sufre un grave accidente que le lleva directamente a una silla de ruedas no pudiendo volver a caminar. Excelente momento para recordar la música de todo un referente musical.

ASHLEIGH SMITH: SUNKISSED

En el mes de Agosto del pasado año, la vocalista y compositora Ashleigh Smith, nacida en la localidad norteamericana de LaGrange pero radicada en la ciudad de Dallas, presentaba su álbum debut titulado genéricamente “Sunkissed”. Esta primera producción discográfica supone el inicio de la carrera artística de una joven de 27 años que estamos seguro que dará mucho que hablar. Nacida en una familia donde la música era el común denominador: su madre cantante amateur, su padre pianista y director de orquesta de bandas juveniles, su abuelo saxofonista de Jazz, su abuela pianista y cantante y su tío trompetista clásico. Estaba claro que con estos antecedentes familiares la pequeña Ashleigh se dedicaría al mundo de la música. Con tan solo 4 años ya canta los discos que su padre escuchaba en el salón de su casa: su canción más entonada era el tema “How High The Moon” interpretado originariamente por Ella Fitzgerald. Pero no solo era Jazz Vocal clásico lo que llamaba la atención de Ashleigh en estos primeros años, también se empapaba de la música de Stevie Wonder, Prince, Bill Withers o Sting, sonido e influencia que se refleja de manera nítida en “Sunkissed”, álbum presentado por el sello discográfico Concord Records y producido por Chris Dunn y Nigel Rivers. Después de cursar sus estudios de high school y graduarse en la University Of North Texas, Ashleigh obtiene una beca de música clásica en la Georgia´s Columbus State University. Su reconocimiento a tanto trabajo le llega en el año 2.014 al hacerse con el galardón Sarah Vaughan International Jazz Vocal Competition. Y es que la vocalistas se mueve de forma brillante en la interpretación de standards de jazz que combina magistralmente con ingredientes de R&B. En propias palabras de Ashleigh: “Mi sonido no es Straight-Ahead Jazz propiamente dicho. Es más R&B con influencias de Funk“. En este álbum debut de la vocalista, nos vamos a encontrar un disco que combina de forma sofisticada Jazz vocal, Pop y R&B y en el que todo el protagonismo del mismo recae en la sedosa y aterciopelada voz de Ashleigh. “Sunkissed” es una mezcla de covers de Pop a la que la cantante añade ingredientes de Soul, Jazz y R&B. Como versiones clásicas es obligado apuntar que se incluyen temas como “Sara Smile”, tema originario del dúo norteamericano Hall & Oates; la balada Soul interpretada originariamente por la vocalista Chrisette Michele y titulada “Love Is You” y el tema de The Beatles publicado en el año 1.968 bajo el titulo de “Blackbird”. Como composiciones propias compuestas por Ashleigh junto al bajista Nigel Rivers y el guitarrista Joel Cross hay que citar temas como “Best Friends”, “Into The Blue”, “Brokenhearted  Girl”, “The World Is Calling” y “Sunkissed”. Por último, la cantante ha querido incluir en su primer álbum el tema “Beautiful And True”, composición escrita por Rosana Eckert, profesora de canto y música de Ashleigh Smith. El disco se completa con un extenso plantel de músicos: Shelton Summons (piano), Sergio Panies (piano), Joel Cross (guitarra), Mark Lettieri (guitarra), Justin Schenk (guitarra), Nigel Rivers (bajo), Marcus Jones (batería), Matt Young (batería), Cleon Edwards (batería), Greg Beck (percusión), AJ Flores (percusión), Kevin Wyatt (harmónica), Jarriel Cartier (trompeta), Jason Davis (saxo), Gaika James (trombón), Antone Amalbert (trombón), Verónica Gan (violin), Emily Aquin (violin), Emily Williams (viola) y Craig Leffer (cello). Sin duda alguna, todo un alarde de voz y estilo en este álbum debut de la cantante norteamericana.

JAMHUNTERS: NIGHTCLUB

Tienen un común denominador claro y definido: combinación de sonidos y atmósferas musicales cimentadas en estilos que pasan por el Jazz, el Lounge, el Chill Out o el Smooth Jazz; si a esta variedad de géneros musicales se incorporan aportaciones vocales cuidadas y brillantemente arregladas, el resultado es Jamhunters, banda liderada por el pianista Peter Michael y el guitarrista Lars Fabiansen. En los últimos tiempos, su trayectoria musical ha sido imparable y han logrado convertirse en el dúo musical -ahora banda- de referencia europeo en lo que a música instrumental y vocal se refiere. Su cuartel general continúa estando en la ciudad danesa de Copenhagen y desde Jamhouse Studio, sus estudios musicales, lanzan todas sus producciones discográficas. Ya en el año 2.006 nos sorprendieron con un excelente primer trabajo titulado genéricamente “Jamhunters” y dos años más tarde, en el año 2.008, presentaban “Music Speaks Louder Than Words”, segunda entrega discográfica que sirvió para consolidar al dúo en el mercado norteamericano. Entre el lanzamiento de su primer álbum y su segundo trabajo, el dúo no ha dejado de hacer presentaciones y giras, tanto a nivel europeo, como en los Estados Unidos. Una vez consolidada su carrera como dúo, en el año 2.011 presentan el álbum titulado “Driftin´” y, cinco años más tarde, ya reconvertidos en banda, editan “Colortones”, excelente y aclamado cuarto trabajo discográfico. El pasado 2 de Junio, Jamhunters editaba su quinta producción discográfica bajo el titulo genérico de “NightClub”. Después de escuchar con detalle este nuevo álbum, podemos afirmar con rigor que es el trabajo discográfico más personal de la banda liderada por Peter Michael y Lars Fabiansen. Nueve composiciones inéditas en las que se incluyen dos temas vocales que se encuadran dentro de la balada (“Morning Song”, “In A Lifetime”) compuestos e interpretados por la vocalista de cabecera de la banda: Christina Boelskifte. El resto de los siete temas, composiciones donde se alternan los temas ligeros (“Practise”, “The 3RD Gate”, “Around A Roundabout”) con composiciones pausada y de corte jazzístico (“The Palm Tree-Part II”“Slow Motio”, “Close To Your Eyes”). El disco se estructura como un cuarteto clásico de Jazz: protagonismo de piano y guitarra al que se agrega el sonido de una batería y de un bajo. A Michael y Fabiansen se unen los músicos que conforman Jamhunters: el batería Klaus Menzer, el bajista Peter Hansen y la vocalista Christina Boelskifte. Todos los temas son compuestos y arreglados por Peter Michael y Lars Fabiansen, siendo los temas vocales responsabilidad de Christina Boelskifte. El disco fue grabado en vivo por Thomas Vang en The Village Studio durante este año 2.017, encargándose de la mezcla Michael y Fabiansen en los Jamhouse Studio. El disco está producido por Peter Michael, Lars Fabiansen y Tony Torrence. Sin duda alguna, el disco más personal, jazzístico e íntimo de una banda que nos encanta escuchar.

CHUCK LOEB (1.955-2.017)

Nunca podré olvidar la escena: típica taberna madrileña en las inmediaciones de la Plaza de Toros de Madrid; Chuck Loeb, un representante de su casa discográfica y yo, compartiendo la típica caña de cerveza española bien fría. El motivo del encuentro fue la gira española que en esos momentos llevaba a cabo el guitarrista con Metro, la formación musical que brillantemente lideraba. Tuvimos la ocasión de charlar en un perfecto -pero con acento americano- español. De ese encuentro, Chuck Loeb se llevó un bote de pimientos del piquillo que le regalé; yo, tuve la suerte de conocer a una excelente persona, además de un guitarrista y compositor sobresaliente. Hoy, después de unos días de tristeza tras conocer el fallecimiento de Chuck, tengo la fuerza y la obligación, de escribir unas merecidas líneas a la memoria de uno de los músicos y compositores contemporáneos más importantes de la música norteamericana. Nacido un 7 de Diciembre de 1.955 en la localidad norteamericana de Nyack. Músico y guitarrista precoz; con tan solo 13 años ya tocaba la guitarra con soltura en bandas y grupos de música locales. Terminados sus estudios de high school, y con la idea de dominar el instrumento que tanto le gusta, ingresa durante dos años en la prestigiosa Berklee College Of Music de Boston. Su carrera, ya como músico profesional, la comienza en la ciudad de New York tocando junto a Chico Hamilton y Freddie Hubbard. En 1.979 es requerido por el saxofonista Stan Getz para unirse a su quinteto. Junto a Getz estuvo cinco productivos años que le sirvieron para adquirir tablas y convertirse en un auténtico virtuoso de la guitarra. Durante una actuación en el Balboa Jazz, mítico club de Jazz de Madrid, conoce a Carmen Cuesta. Pronto se convierte en su esposa dándole dos hijas: Christina y Lizzy. Será por esa época cuando traba interesantes amistades musicales que le duraran toda la vida: el teclista Mitch Forman o el batería Wolfgang Haffner, por citar algunos. Precisamente, con estos, formará en la década de los 90´s la formación musical denominada Metro, sin duda, su proyecto musical más vanguardista. Su carrera artística como músico de bandas y de estudio la alterna con una prolífica discografía como guitarrista solista. Su primera producción discográfica la publica junto al pianista Andy LaVerne en el año 1.989. “Magic Fingers”, titulo genérico del álbum, cuenta con la presencia musical del bajista Will Lee, del batería Dave Weckl y de la propia Carmen Cuesta. El disco incluye temas como “Book & Beads”, “Groovin´”, “The Mission” y “Sueños”, composición escrita por Andy LaVerne y Carmen Cuesta. Este primer trabajo discográfico será el punto de partida de una extensa discografía como guitarrista solista: “Balance” (1.991), “Simple Things” (1.994), “The Moon, The Stars And The Setting Sun” (1.998), “In A Hearbeat” (2.001), “Ebop” (2.003), “When I´m With You” (2.005), “Presence” (2.007), “Between 2 Worlds” (2.009), “Plain n Simple” (2.011), “Silhouette” (2.013), “Jazz Funk Soul” (2.014), “Bridges” (2.015) o “More Serious Business” (2.016), entre otros. Cuando en el año 2.010 Bob James necesita un guitarrista después de la marcha de Larry Carlton para incorporarlo en Fourplay, no lo duda; llama rápidamente a Chuck Loeb. El buen olfato de James no le hace equivocarse y la banda publica álbumes tan exitosos como “Let´s Touch The Sky” (2.010), “Esprit De Four” (2.012) y “Silver” (“2.015). Entre las aportaciones de Chuck destacan composiciones como “3Rd Degree”, “Above And Beyond”, “December Dream”, “Sonnymoon” o “Logic Of Love”, entre otras. Trabajador incansable, combinó con maestría su carrera como guitarrista solista, guitarrista de acompañamiento, compositor de sintonías para emisoras de televisión norteamericanas como la ABC, la CNN o la CBS y su labor como productor de otros artistas y músicos. Notamos su ausencia en la última gira europea de Fourplay, pero nunca imaginé que escribiría estas líneas. ¿Por qué siempre se van los mejores? Siempre estarás presente. Gracias por tu música.

BÉLA FLECK: JUNO CONCERTO

Pronunciar el nombre de Béla Fleck es sin duda nombrar el banjo como instrumento. El nombre de este músico norteamericano va unido estrechamente al instrumento del banjo y sin duda es uno de los intérpretes de banjo más originales y de más técnica en la ejecución del mismo. Béla Fleck es conocido en Estados Unidos tanto por tocar en solitario como por formar parte de bandas o formaciones musicales tan conocidas como New Grass Revival o Béla Fleck & The Flecktones. Nacido en la ciudad de New York, comienza a tocar el banjo a muy temprana edad. En el año 1.990 presenta su primera producción discográfica acompañado por The Flecktones, banda con la que finalmente termina montando una formación musical conjunta. Este primer álbum se tituló genéricamente “Béla Fleck And The Flecktones” y fue publicado por el sello discográfico Warner Bros Records. Su carrera como músico solista arranca con la presentación de “Crossing The Tracks” en el año 1.979. Cinco años antes, esto es, en 1.972 se une a la formación musical conocida como New Grass Revival para grabar el primer álbum titulado igual que la banda. El trabajo y las colaboraciones que Béla Fleck realiza para sus propios álbumes y para el de otros artistas no solo se circunscribe a un estilo musical de la música Country o del Folk. El músico se mueve en terrenos musicales tan variados como el Jazz, el Pop o incluso la World Music. De hecho, Béla Fleck ha sido el instrumentista que aparece más nominado en más categorías de los Grammy Awards. Así, figura en categorias tan variadas como “Mejor Album Contemporáneo” de World Music, “Mejor Interpretación de Pop Instrumental”, “Mejor Album de Crossover Clásico”, “Mejor Interpretación Instrumental Country”, “Mejor Album de Jazz Contemporáneo” o “Mejor Composición Instrumental”. Dicho esto, podemos afirmar que estamos en presencia del abanderado de la música Bluegrass y del banjista más popular de todos los tiempos. Después de interesantes colaboraciones con Abigail Washburn y Chick Corea, el más reciente trabajo discográfico de Béla Fleck publicado por el sello discográfico Rounder Records lleva por titulo genérico “Juno Concerto”, concierto de banjo y en el que es acompañado por The Colorado Symphony, magistralmente dirigida por José Luis Gómez. En esta segunda entrega -su primera fue en el año 2.011 con la presentación del álbum titulado “The Impostor”– el músico presenta un disco dirigido a los amantes de la música clásica y de la música instrumental, donde el banjo, como instrumento con protagonismo propio, ocupará un lugar relevante. Siguiendo los cánones de la música clásica, el disco se presenta tres movements de larga duración (por encima de los ocho minutos), un tema titulado “Griff” y un movement final denominado Quintet For Banjo And Strings: Movement II. La totalidad del álbum esta dedicado a la pequeña hija de Béla Fleck.

BRIAN CULBERTSON: FUNK!

Citar el nombre de Brian Culbertson supone nombrar uno de los artistas más activos y cotizados de todo el panorama del Jazz contemporáneo norteamericano. Compositor, músico, multiinstrumentista y productor, inicia su carrera musical en el año 1.994 en su Illinois natal con la presentación del álbum titulado “Long Night Out”, disco que presagiaba una exitosa carrera artística. Posteriormente vendrían producciones discográficas como “Secrets” (1.997), “Sometin´About Love” (1.999), “Nice & Slow” (2.001), “Bringing Back The Funk” (2.008) o “XII” (2.010), entre muchos otras, convirtiendo al pianista  en uno de los músicos de referencia dentro del estilo musical del Smooth Jazz o del Jazz Contemporáneo. Dotado de una gran habilidad para tocar instrumentos tan variados como teclados, piano, trombón o bajo, Culbertson, desde sus inicios musicales a comienzos de la década de los 90´s, siempre se ha sabido rodear de excelentes músicos de sesión del área de Los Angeles y sus producciones -tanto discográficas como sus presentaciones en vivo- destacan por una puesta en escena impecable y brillante. Después del exitoso álbum del 2.008 titulado “Bringing Back The Funk”, ahora Brian Culbertson vuelve a retomar el sonido Funk con una nueva producción discográfica publicada el mes de Septiembre del pasado año bajo el titulo genérico de “Funk!” Lo que nos vamos a encontrar en “Funk!” es la mejor fusión y combinación de Soul, Jazz y R&B, en esta ocasión, con el protagonismo del piano y de los teclados de Brian Culbertson. A diferencia de los álbumes instrumentales de Brian Culbertson, este nuevo trabajo es totalmente vocal con excepción de “Hey Girl”, único tema instrumental. Sin duda alguna estamos ante un álbum trepidante lleno de ritmo y que se encuentra claramente orientado para ser tocado en vivo. Temas como “Get Ready”, “The Call”, “Been Around The World” o “Let´s Take A Ride”, entre otros, invitan a bailar de forma incontrolable. Brian Culbertson además de estar al mando de los teclados y piano, toca trombón, Hammond B3 y le pone voz y coros a todos los temas. Como en anteriores producciones discográficas, el aspecto musical Culbertson cuenta con los mejores: Chance Howard (bajo), Marqueal Jordan (saxo), Eddie Miller (vocal), Tyrone Chase (guitarra), St Paul Peterson (guitarra), Michael Stever (trompeta), Franklin “Third” Richardson (batería), Rodney Jones Jr (bajo), Khary Parker (batería), Major (vocal), Shelton Reynolds (guitarra), Chris Miskel (batería, percusión), Angela Martin (vocal) y Bob Horn (bajo). El disco es producido por Brian Culbertson para BCM Entertainment, Inc. En definitiva Funk! en estado puro.

RAUL MIDON: BAD ASS AND BLIND

El vocalista, guitarrista, compositor y multiinstrumentista Raul Midón es uno de esos músicos eclécticos que difícilmente encaja en una categoría o estilo musical. Nacido en el norteamericano estado de New México de padres argentinos y afroamericanos. Después de pasar por la incubadora junto a su hermano gemelo, queda invidente para el resto de su vida. Con tan solo cuatro años de edad, su padre comienza a introducirle en el mundo sonoro de los instrumentos: su primer instrumento es la batería. Inmediatamente, Midón se convierte en un amante de los instrumentos de percusión y comienza a tocar la guitarra gracias a un programa de educación especial. Sus estudios académicos los realiza en la University Of Miami. Combina un estilo único de música vocal e instrumental donde está muy presente la música latina. También se mueve con soltura en terrenos musicales del Jazz, Blues, R&B e incluso Folk. Su carrera como músico profesional arranca ejerciendo como cantante de sesión para artistas como Shakira, Julio Iglesias o José Feliciano. Se establece en la ciudad de New York para dedicarse a su carrera como vocalista y músico solista. El productor Arif Mardin lo ficha para el sello discográfico Manhattan Records para presentar y lanzar su álbum titulado “State Of Mind” (2.005). Anteriormente a este lanzamiento internacional, Raul Midón tenía publicados tres trabajos discográficos anteriores: “Gracias A La Vida” (1.999), “Blind To Reality” (2.001) y “Raul Midón” (2.003). Como cantante y músico, Raul Midón ha trabajado y colaborado con músicos y artistas como Stevie Wonder, Herbie Hancock o Queen Latifah. Su discografía se completa con álbumes tan interesantes como “A World Within A World” (2.007), “Synthesis” (2.010), “Invisible Chains. Live From NYC” (2.012) y “Don´t Hesitate” (2.014). Después de una espera de casi tres años, Midón ya tiene trabajo discográfico nuevo; “Bad Ass And Blind” fue publicado por el sello discográfico Artistry Music Records el pasado mes de Marzo y es ya todo un éxito. En este flamante álbum, el talentoso músico y vocalista nos ofrece un total de once composiciones íntegramente compuestas y arregladas por el mismo. Talento vocal y destreza en el manejo de la guitarra; composiciones frescas y combinaciones de estilos musicales tan diferentes como Rock, Pop, Jazz e incluso Rap: esta es la “marca de agua” de “Bad Ass And Blind”, uno de los mejores trabajos discográficos hasta la fecha de Raul Midón. El disco se inicia con el tema que da titulo al álbum y que no deja indiferente al oyente. A este titulo le seguirán otros como “If Only”, “Red, Green, Yellow”, “Pedal To The Metal”, “Fly Like An Eagle” o “You & I”, entre otros. A esto hay que sumar que el cantante y guitarrista no puede estar mejor acompañado musicalmente: Richard Hammond (bajo), Lionel Cordew (batería), Federico González Peña (teclados), Gerald Clayton (piano), Joe Sanders (bajo), Gregory Hutchinson (batería), Nicholas Payton (trompeta) y Jean-Philippe Rykiel (teclados). Uno de los álbumes importantes de este 2.017. Congratulations Mr Midón.

BILLY CHILDS: REBIRTH

Billy Childs siempre ha sido un músico serio. 13 nominaciones a los Grammy Awards lo avalan sobradamente.  Compositor y pianista, su música básicamente se encuadra en el género del Jazz. Descubierto por el trompetista Freddie Hubbard con quien además de grabar numerosas producciones discográficas, también realiza extensas giras por territorio americano. Iniciado en la música de Jazz, el pianista comienza a relacionarse con músicos como J.J. Johnson, Joe Henderson y Wynton Marsalis con los que acaba tocando y participando como músico de acompañamiento en sus producciones discográficas. En el año 1.988 el sello discográfico Windham Hill Records le hace una oferta que no puede rechazar: presenta el álbum titulado “Take For Example This”. A este álbum le siguen otros tan interesantes como “Twilight Is Upon Us” (1.989), “His April Touch” (1.991) y “Portrait Of A Player” (1.992). Su discografía se completa con álbumes como “I´ve Know Rivers” (1.995) y “The Child Within” (1.996). Pero el éxito le llega en 2.005 y 2.010 respectivamente, con la publicación de dos álbumes que le hacen ganar dos Grammy Awards, después de obtener cinco nominaciones a los mismos: “Jazz-Chamber Music Vol I” y “Autumn: In Morning Pictures”. Como complemento, a Billy Childs le gusta alternar su carrera como músico con la de compositor; su proyección en esta disciplina le ha llevado a colaborar con Los Angeles Philharmonic, The Detroit Symphony Orchestra, Los Angeles Master Chorale, The Lincoln Center Jazz Orchestra o The American Brass Quintet. Desde el 2.014, año en el que presentó su álbum titulado “Map To The Treasure: Reimagining Laura Nyro”, disco en el que trabaja junto a vocalistas y músicos de la talla de Shawn Colvin, Chris Botti, Lisa Fischer, Renée Fleming, Yo-Yo Ma, Rickie Lee Jones, Alison Krauss, Ledisi, Dianne Reeves, Esperanza Spalding o Wayne Shorter, entre otros, el pianista norteamericano no había publicado ninguna nueva producción discográfica. El pasado mes de Marzo, el sello discográfico Mack Avenue Records presentaba “Rebirth”, flamante nuevo álbum de Billy Childs. Se compone de un total de ocho composiciones; seis compuestas por el pianista y dos versiones de clásicos de Michel Legrand (“The Windmills Of Your Mind”) y Horace Silver (“Peace”). Disco instrumental que también incluye presencia vocal con la participación de Claudia Acuña en el tema que titula el álbum y, de Alicia Olatuja que pone voz a la composición titulada “Stay”. Por lo que respecta a los músicos que acompañan al pianista, hay que decir que es el típico trío de Jazz conformado en esta ocasión por Steve Wilson (saxo), Hans Glawischnig (bajo) y Eric Harland (batería). Como músicos invitados es obligado citar al trombonista Ido Meshulam y al percusionista Rogerio Boccato que participan en el tema “Rebirth”. Estoy seguro que gustará a los amantes del Jazz más clásico.

RICHARD ELLIOT: SUMMER MADNESS

Nombrar a Richard Elliot es citar a uno de los grandes. Saxofonista, compositor y músico de estudio. Tras abandonar en 1.986 un cómodo y estable puesto de trabajo como saxofonista en la reputada formación The Tower Of Power, el lanzamiento discográfico de “Trolltown”, supone el arranque de su carrera como saxofonista solista, que en muy poco tiempo se convierte en meteórica. Además, se inicia como músico de acompañamiento ofreciendo el sonido de su saxo a artistas tan brillantes como Natalie Cole o The Pointer Sisters.  Después de 30 años de carrera artística y musical, Richard Elliot es considerado uno de los referentes del Smooth Jazz, del Jazz instrumental y del Jazz Contemporáneo. En el año 2.010 obtiene un American Smooth Jazz Award en la categoría de “Mejor Instrumentista de Viento”. Su carrera musical se ha ido cimentando poco a poco con producciones discográficas tan sobresalientes como  “Power Of Suggestion” (1.988), “Take To The Skies” (1.989), “What´s Inside” (1.990), “On The Town” (1.991), “After Dark” (1.994) o “City Speak” (1.996). Su extensa discografía alcanza más de una veintena de producciones discográficas, aumentándose en un álbum más con la publicación de su último trabajo discográfico titulado genéricamente “Summer Madness”. En esta ocasión, el saxofonista vuelve a hacer mancuerna con su amigo y trompetista Rick Braun, que además de producir el disco, escribe algunos temas junto a Richard Elliot y el bajista Nathaniel Phillips. El disco incluye versiones de temas tan clásicos como “Summer Madness” (Kool & The Gang), “Cachaca” (Jay Beckenstein) y “Europa”, tema originalmente compuesto por Santana y que en esta nueva versión cuenta con el protagonismo vocal de Rebeca Vega. El nuevo disco de Elliot recoge temas instrumentales donde la frescura musical y las melodías bien arregladas tienen protagonismo propio. Buena prueba de ello son temas como “West Coast Jam”, “Breakin´It Down”, “Back To You” o “Harry The Hipster”, entre otros. Acompañan a Richard Elliot en este nuevo capitulo musical músicos tan notables como Ron Reinhardt (teclados), Randy Jacobs (guitarra), Nathaniel Phillips (bajo), Franklin Richardson III (batería), Lenny Castro (percusión), Rick Braun (trompeta, trombón), Curt Waaylee (saxo), Gerey Johnson (guitarra) y Eric Valentine (batería). El disco es publicado por el sello discográfico Heads Up Records. Imprescindible.

GORDON GOODWIN´S LITTLE PHAT BAND: AN ELUSIVE MAN

La banda Big Phat Band es una de esas formaciones musicales que es obligado escuchar. Creada y dirigida por el multiinstrumentista Gordon Goodwin, se caracteriza por su imponente y poderosa sección de metal. Gordon Goodwin es compositor, músico, arreglista y director de orquesta que siempre estuvo influenciado por el sonido Big Band; nacido en el norteamericano estado de Kansas, siendo un adolescente escribe su primera composición de Big Band que la titula “Hang Loose”. Sus estudios musicales los realiza en la California State University junto a la dirección musical de Joel Leach y de Bill Calkins. Sus primeros pasos musicales como músico los da en la banda de música del famoso parque de atracciones Disneyland en la localidad de Anaheim, California. Incluso escribe los shows musicales que se desarrollan en el parque de atracciones para los turistas. Después de su paso por Disneyland, termina enrolado en la orquesta de Louie Bellson junto a los saxofonistas Pete Christlieb y Don Menza. El joven y ambicioso músico se da cuenta que su futuro se encamina a la formación de una potente banda donde predomine una poderosa sección de metal. Se pone manos a la obra y en poco tiempo logra conformar una banda de 18 componentes donde prima la sección de viento compuesta por saxos, trompetas y trombones, además de una brillante sección rítmica donde el propio Goodwin toca el piano y el saxo además de componer y arreglar. Además, The Big Phat Band desde sus comienzos, ha mantenido una sección de músicos invitados que ha colaborado con la Big Band en sus proyectos discográficos. Buena prueba de ello es la presencia como músicos invitados de artistas tan conocidos como Eddie Daniels, Take 6, Brian McKnight, Johnny Mathis, Michael Brecker, Arturo Sandoval, David Sanborn, Dianne Reeves, Chick Corea, Nathan East, Lee Ritenour, Marcus Miller o Patti Austin, entre muchos otros. En el año 2.001, Gordon Goodwin y su Big Phat Band presentan su primer álbum titulado “Swingin´For The Fences” que rápidamente se convierte en el álbum de Jazz más importante del año. Dos años más tarde, en el 2.003, la banda es nominada a los Grammy Awards en la categoría de “Mejor Album de Jazz”, “Mejor Composición Instrumental” y “Mejor Arreglo Vocal” por el álbum titulado “XXL” publicado ese mismo año. Posteriormente vendrán discos tan buenos como “The Phat Pack” (2.006), “Act Your Age” (2.008) o “That´s How We Roll” (2.011). Ahora y después de la presentación de su álbum navideño presentado el mes de Diciembre pasado bajo el titulo genérico de “A Big Phat Christmas Wrap This”, la banda -en esta ocasión, bajo la denominación de Little Phat Band– dirigida por Gordon Goodwin tiene trabajo discográfico para este año que se presenta bajo el titulo genérico de “An Elusive Man”. En esta ocasión reúne una banda algo más reducida compuestas por Wayne Bergeron (trompeta), Eric Marienthal (saxo), Andy Martin (trombón), Andrew Synowiec (guitarra), Rick Shaw (bajo), Bernie Dresel (batería) y Joey De Leon (percusión). Por supuesto, Gordon Goodwin continua dirigiendo la orquesta además de tocar el piano, el saxo y llevar a cabo el arreglo de todos los temas. Todos los temas son compuestos por el propio Goodwin a excepción de “Walkin´”, de Richard Carpenter y, “In A Sentimental Mood”, de Duke Ellington. El disco es publicado por el sello discográfico MOC Records. Sonido Big Band en estado puro.

JACKIEM JOYNER: MAIN STREET BEAT

Si no hubiera sido por la música, la vida de Jackiem Joyner sería hoy muy distinta. Afortunadamente, la práctica del saxo alejó a Joyner de malas compañías que le hubieran llevado a tomar el camino equivocado. Pero de eso hace ya mucho tiempo y en la actualidad, Jackiem Joyner es uno de los saxofonistas jóvenes norteamericanos que siguen apostando por hacer y seguir difundiendo Jazz Contemporáneo. Los primeros pasos musicales los da en la iglesia; Joyner formaba parte del coro y ponía una nota musical con el manejo de su saxofón. Este joven originario de Norfolk, localidad perteneciente al norteamericano estado de Virginia, comienza a adquirir tablas subiéndose a escenarios locales y tocando en infinidad de clubes de su estado natal. El reconocimiento no tarda mucho en llegar y siempre que se sube a un escenario es presentado con el nombre artístico de “Lil´Man Soul”, apodo musical creado por los pianistas Bobby Lyle y Marcus Johnson. Un inadvertido primer álbum –“This Time Around”– publicado en un sello discográfico independiente y de poca proyección promocional supone el inicio discográfico de un músico con talento innato. Posteriormente y con un respaldo discográfico justo y necesario, verán la luz álbumes tan brillantes como “BabySoul” (2.007), “Lil´Man Soul” 2.009), “Jackiem Joyner” (2.010) o “Evolve” (2.014). Ahora, después de un arduo proceso de composición, el saxofonista ya tiene su nueva producción discográfica que será presentada por el sello discográfico Artistry Music el próximo 30 de Junio bajo el titulo genérico de “Main Street Beat”. En este nuevo álbum de Joyner se recogen un total de once composiciones en la que cuenta con la colaboración musical de músicos tan renombrados como Raymond Johnson, Carnell Harrell, Kyle Bolden, Darryl Williams, Nikolai Egorov, Gabe Roland, Dee Cole-Laing, Britt Frappier, Michael “Big Mike” Hart Jr, Steve Oliver, Nick ColionneTimothy Bailey Jr. El single presentación del álbum lleva por titulo “Trinity” y cuenta con la presencia de la guitarra de Steve Oliver. A este titulo se unen otros como “Back To Motown”, “Main Street”, “Treasure”, “Southside Boulevard” o “Get Down Street”, entre otros. La fiesta de presentación oficial del álbum tendrá lugar el próximo 25 de Junio en un evento musical celebrado en el Mediterranean´s Jazz And Super Club de San Diego y que contara con la presencia del propio Joyner. Sin duda, será uno de los discos del año.         

KEVIN EUBANKS: EAST WEST TIME LINE

Kevin Eubanks es todo un músico de leyenda. Guitarrista, compositor y director musical. Nacido el 15 de Noviembre en la ciudad de Philadelphia. Proviene de una familia netamente musical. A saber: Vera Eubanks (su madre) fue vocalista de Gospel, pianista y organista; Ray Bryant (su tío) un reputado pianista de Jazz; Robin Eubanks (su hermano mayor) es trombonista y Duane Eubanks (su hermano menor) es trompetista. Los inicios musicales de Eubanks van unidos a tres instrumentos: violín, trompeta y piano. Finalmente, cursando estudios en la Settlement Music School de Philadelphia decide decantarse por la guitarra como instrumento elegido. De la escuela de música de Philadelphia pasa directamente a matricularse en la Berklee College Of Music de Boston. Finalizados sus estudios musicales se traslada a la ciudad de New York para comenzar su carrera como músico profesional. Será en la gran manzana donde tenga la oportunidad de tocar con los más grandes del Jazz de la época: Art Blakey, Roy Haynes, Slide Hampton, Sam Rivers, McCoy Tyner, Ron Carter o Dave Holland, entre otros. Con 25 años presenta su primera producción discográfica que publica el sello discográfico Elektra Records bajo el titulo genérico de “Guitarist”. En 1.986 el sello propiedad de David Grusin y de Larry Rosen -GRP Records- le proponen firmar un contrato discográfico que implica la edición sietes álbumes consecutivos del guitarrista. Sera en esta época cuando su proyección musical -y por que no decirlo, también comercial- alcance niveles estratosféricos. El olfato musical de Grusin y Rosen no falla: álbumes como “Sundance” (1.984), “Opening Night” (1.985), “Face To Face” (1.986), “Heat Of Heat” (1.987), “Shadow Prophets” (1.988), “The Searcher” (1.989) y “Promise Of Tomorrow” (1.990) son éxito de ventas y la popularidad de Kevin Eubanks alcanza sus cotas más altas. En 1.992 se aleja durante un largo tiempo de las producciones discográficas al convertirse en director musical de Tonight Show Band, formación musical que participa en vivo en el programa The Jay Leno Show presentado por el showman Jay Leno. En el año 2.010 el sello discográfico Mack Avenue Records requiere sus servicios publicándose álbumes como “Zen Food” (2.010), “The Messenger” (2.012) o “Duets”, disco presentado en el año 2.015 y en el que colabora el también guitarrista Stanley Jordan. El pasado 7 de abril, el sello discográfico Mack Avenue Records, presentaba el nuevo trabajo discográfico del guitarrista bajo el titulo genérico de “East West Time Line”. El disco incluye composiciones inéditas del propio Eubanks y versiones de temas tan conocidos como “What´s Going On” (Marvin Gaye), “Take The Coltrane” (Edward Kennedy Ellington) o “Captain Señor Mouse” (Chick Corea), entre otras. A lo largo de todo el álbum, el guitarrista se rodea de los músicos que le han acompañado a lo largo de los años: Orrin Evans (piano), Dave Holland (bajo), Nicholas Payton (trompeta), Jeff “Tain” Watts (batería), Rene Camacho (guitarra), Mino Cinelu (percusión), Bill Pierce (saxo) y Marvin “Smitty” Smith (batería). Guitarra y destreza musical en estado puro.