DOUYÉ: DADDY SAID SO

Douyé es sin duda una de las vocalistas emergentes del panorama musical discográfico norteamericano. Cantante y compositora afincada en la ciudad de Los Angeles, pero nacida en Lagos, capital de Nigeria. Sus influencias musicales no pueden ser más clásicas: Billie Holiday, Sarah Vaughn, Dinah Washington o Ray Charles. La afición al Jazz vocal le viene de su padre, gran aficionado al Jazz y a la música en general. Douyé   rápidamente queda impresionada por los vocalistas y cantantes que se mueven en este estilo o genero musical y comienza a cantar e interpretar temas clásicos, pero de manera experimental. Sus primeros pasos vocales y musicales los da formando parte del coro de la iglesia y, al mismo tiempo, componiendo poemas que posteriormente se convertirán en canciones con melodía propia. En el año 2.007 la cantante presenta su primera producción discográfica bajo el titulo genérico de “Journey”. Este primer trabajo musical se remasteriza y se reedita en el año 2.010 convirtiéndose de nuevo en todo un éxito. Su última producción discográfica fue publicada en el año 2.014 y se tituló genéricamente “So Much Love”. En este segundo álbum, Douyé rinde tributo musical a la figura de Fela Kuti, creador del estilo musical denominado Afrobeat, multiinstrumentista y compositor nigeriano fallecido en 1.997. Como ingredientes musicales adicionales, Douyé incorpora a su segundo trabajo discográfico Jazz, Soul y R&B, siendo acompañada por los mejores músicos de sesión norteamericanos: Eric Marienthal, Ricky Lawson, Ramón Stagnaro, Philippe Saisse o Rick Braun, entre otros. El pasado 7 de Julio la cantante presentaba su nueva producción discográfica bajo el titulo genérico de “Daddy Said So”. Este nuevo trabajo musical es un giro de 180º respecto al anterior. En esta ocasión, Douyé presenta un total de catorce composiciones clásicas del Jazz vocal. Se trata de un álbum intenso y denso, que estamos seguros, gustará a los aficionados al género. Si lo que esperabas en este nuevo lanzamiento discográfico era R&B, Pop o Soul, olvídate. Se trata de una colección muy bien elegida de standards clásicos versionados en clave de Jazz vocal en la brillante e intensa voz de Douyé. Como todo disco clásico, la cantante se deja acompañar por el típico cuarteto o trío; esto es, predominan instrumentos como el piano, la batería, la trompeta o el bajo. Para la elección de los temas, la cantante no tiene duda y apuesta a caballo ganador. De esta forma recopila composiciones clásicas de compositores tan legendarios como Johnny Burke, James Van Heusen, Billy Strayhorn, Duke Ellington, Jerome Kern, George Gershwin, Ira Gershwin, Joseph Kosma o Consuelo Velazquez, entre otros. Entre los temas que se incluyen en “Daddy Said So” es obligado citar clásicos como “Mood Indigo”, “I Love You Porgy”, “Autum Leaves”, “In A Sentimental Mood”, “Nature Boy”, “Bésame Mucho” o “Summertime”, entre otros. Como músicos invitados destaca la presencia del pianista Kenny Barron, del guitarrista Russell Malone y del saxofonista Justo Almario. La sección de metal es sobresaliente en temas como “Autum Leaves” o “Someone To Watch Over Me”. El álbum cuenta con la participación musical de más de cuarenta músicos. El disco es publicado por el sello discográfico Groove Note Records y está íntegramente dedicado al padre de la cantante. En definitiva: Jazz vocal en estado puro.

LOWELL HOPPER: PLAYING IT COOL

Lowell Hopper es un guitarrista peculiar; tiene una carrera artística y musical de 30 años, y además de tocar bien la guitarra es todo un multiinstrumentista: maneja con soltura instrumentos tan variados como el bajo y los teclados. A esto hay que añadirle que es compositor y productor. Originario de la localidad de Panamá City, ubicada en el norteamericano y soleado estado de Florida, comienza a tocar la guitarra con tan solo 6 años de edad y gracias a su padre, que era guitarrista acústico y es quien le introduce en el maravilloso mundo de la música. A los 15 años, Lowell Hopper es ya todo un músico experimentado y toca la guitarra en bandas de Blues y de R&B. Finalizados sus estudios universitarios, pasa un tiempo en las Fuerzas Armadas Americanas. Durante su extensa carrera como guitarrista de acompañamiento ha tocado con numerosos artistas y músicos realizando giras en Alemania, Panamá y Estados Unidos. Su estilo en la forma de tocar la guitarra se apoya en tres pilares: Jazz, Funk y Soul. Su discografía arranca en el año 1.993 con la publicación de su primer álbum: “Bay View”. Durante la década de los 90´s publica tres producciones discográficas más que actualmente se encuentran descatalogadas: “Invisible Touch” (1.995), “Live In Panamá” (1.997) y “Live On The Beach” (1.999). Su discografía se completa con álbumes como “Sweet Licks” (2.009), “A New Direction” (2.013), “A Touch Of Sunshine” (2.014) o “Groove Maker” (2.015), entre otros. En el mes de Noviembre del pasado año, el guitarrista presentaba su nueva producción discográfica bajo el titulo genérico de “Playing It Cool”. Este nuevo álbum se compone de un total de once composiciones inéditas. El disco arranca con el tema “On The Run” donde Hopper pone de manifiesto su virtuosismo con el instrumento. El disco incluye temas movidos, ligeros y temas más pausados. Entre los temas más movidos y ligeros es obligado citar “Festival”, “Playing It Cool”, “Rain Dance” o “Night Will Fall”; entre las composiciones más pausadas: “In Your Eyes”, “While You´re Here With Me” o “New Canvas”. El músico, además de tocar la guitarra, también se hace cargo de bajo, teclados y batería programada. Destaca la presencia del bajista Derek Burrell en el tema titulado “In Your Eyes”. Todos los temas que se incluyen en el disco son compuestos y arreglados por el propio músico. Lowell Hopper produce y arregla el álbum para LCH Productions. El disco es publicado por el sello discográfico Get Jazzed Records.

ALFREDO RODRIGUEZ: TOCORORO

Con tan solo 8 años de edad y siguiendo las instrucciones dadas por uno de sus profesores a sus padres, Alfredo Rodríguez fue expulsado del Conservatorio de Música Clásica de La Habana. No era considerado ni buen alumno, ni buen músico. Su puesto en el citado conservatorio debía de ser ocupado por otra persona que contara con autenticas facultades musicales. Han transcurrido veinte y cinco años desde que Alfredo Rodríguez fuera declarado como “no apto” en el Conservatorio de Música Clásica de La Habana. Sale de Cuba aprovechando una serie de conciertos ofrecidos en México; finalizado el concierto no duda en solicitar asilo en el país azteca. Su primera producción discográfica vino de la mano del legendario músico, compositor, productor y auténtico Rey Midas de la música Quincy Jones. Puedo imaginar la cara que se les quedó a los responsables del Conservatorio de Música Clásica de La Habana. Alfredo Rodríguez comienza a tocar música clásica, afición que compagina con la audición y práctica de la música tradicional cubana. A los 17 años de edad su vida da un giro radical al recibir como regalo de su tío un disco de Jazz. Es en este momento cuando se interesa por este género musical, convirtiéndose el Jazz en lo más importante de su vida. Según palabras del propio Rodríguez, el Jazz le permitía expresar sus sentimientos y su estado anímico, ya fuera bueno o malo. A este despliegue de sentimientos se une la improvisación, elemento musical que cautivó al músico y que le permitió incluso ser más libre. Quincy Jones entra en la vida de Alfredo Rodríguez cuando el legendario productor tiene la oportunidad de verle tocar el piano en Suiza, en el Montreaux Jazz Festival. Sin duda alguna Alfredo Rodríguez era un auténtico music junkie (adicto a la música), no paraba de practicar y de componer. Con tan solo escuchar los primeros compases ejecutados magistralmente por Alfredo Rodríguez, Quincy Jones quedó seducido por el joven músico y decide apadrinarlo en el inicio de su carrera musical. Esta relación se plasmó en un excelente álbum que ya comentamos hace unos años: “Sounds Of Space” (2.012). Su más reciente producción discográfica fue presentada el pasado año bajo el titulo genérico de “Tocororo”, álbum que contiene un total de trece composiciones que son producidas por el propio músico y Quincy Jones. En este álbum, Alfredo Rodríguez compone temas como “Yemayá”, “Tocororo”, “Kaleidoscope”, “Raices” y “Meteorite”. El resto de los temas son compuestos por autores como Máximo Francisco Repilado Muñoz, Ernesto Lecuona, Silvio Rodríguez, Eliseo Grenet o Gerardo Alfonso Morejón.   A lo largo de todos los temas que conforman el nuevo trabajo discográfico del músico cubano, vuelve a poner de manifiesto ser un auténtico virtuoso del piano y de los ritmos instrumentales latinos. Alfredo Rodríguez, en esta nueva entrega discográfica, alterna composiciones puramente instrumentales –“Chan Chan”, “Venga La Esperanza”, “Jesu, Joy Of Man´s Desiring”, “Adiós Nonino”, “Meteorite”– con temas con protagonismo vocal –“Yemayá”, “Raices”, “Gitanerías”, “Tocororo”, “Ay, Mamá Inés”, “Sábanas Blancas”, “Kaleidoscope”-. El músico cubano, además de tocar el piano, canta y se responsabiliza de los sintetizadores. Le acompañan, Reinier Elizarde (bajo), Michael Olivera (batería, percusión), Ibeyi (vocal), Richard Bona (vocal, bajo), Ibrahim Maalouf (trompeta), Ganavya Doraiswamy (vocal), Antonio Lizana (vocal) y Ariel Bringuez (saxo, flauta, clarinete). El disco es grabado y mezclado en Estudio UNO, Madrid, España, contando con la participación técnica de Pablo Pulido y Omar Carrascosa, realizando la masterización del mismo Bernie Grundman. La producción ejecutiva es de Gretchen Valade. El disco es publicado por Mack Avenue Records y Qwest.

NICK COLIONNE: THE JOURNEY

Su carrera artística la comenzó con el lanzamiento de su primera producción discográfica allá por el año 1.994. Han pasado más de tres lustros y el guitarrista y compositor Nick Colionne sigue siendo uno de los referentes en cuanto a Jazz Contemporáneo se refiere. Tiene las cualidades suficientes como para tocar la guitarra con soltura e incluir en sus producciones discográficas un registro vocal más que digno. No en vano, en todas sus proyectos discográficos incluye alguna composición en la que el sonido de su guitarra y la tonalidad sedosa de su voz se dan la mano. La carrera artística del guitarrista y compositor Nick Colionne comenzó a mediados de la década de los 90´s. En estos veinte años de trayectoria como músico profesional, Nick Colionne ha grabado álbumes tan exitosos como “It´s My Turn” (1.994), “Arrival” (1.996), “The Seduction” (1.999), “Just Come On In” (2.003), “Keepin´It Cool” (2.006) o “No Limits” (2.008), trabajos discográficos que han convertido al músico en uno de los guitarristas de referencia dentro del panorama musical del Smooth Jazz. No cabe duda que la combinación de estilos musicales como el Funk, el Jazz, el R&B o el Blues han sido muy bien recibidos por los seguidores del guitarrista a lo largo de estos años. Con su producción discográfica del año 2.011 –“Feel The Heat”– consolidaba su carrera y lograba convertirse en uno de los músicos de más éxito y proyección musical de ese año. Después de una espera de poca más de cinco años, Nick Colionne publicaba el pasado año su nueva producción discográfica que llevaba por titulo genérico “The Journey”. Después de escuchar la totalidad del álbum podemos afirmar con rotundidad que la espera ha merecido la pena. Este nuevo proyecto musical de Colionne contiene un total de diez composiciones inéditas. Sin lugar a dudas, uno de sus mejores álbumes. Jazz, Funk, Soul, R&B, Blues; ¡que más se puede pedir! El disco se inicia con el tema que da titulo al álbum, tema up-tempo donde el guitarrista vuelve a demostrar ser uno de los mejores músicos del panorama musical norteamericano. Destreza musical y melodías brillantemente ensambladas, conceptos que a lo largo de todo el álbum va a ser el común denominador. A este primer tema movido y fresco le siguen otros en la misma línea: “Buckle Up”, “Joint Is Poppin´”, “Uncle Nick” y “On The Move”. Por lo que respecta a los temas más pausados y que se pueden encuadrar dentro de las baladas hay que citar “Say What´s On Your Mind”, “East Evergreen Revisited” y “Closer”, tema que cierra el álbum. Nick Colionne no se olvida de los que disfrutamos también de temas vocales. En esta línea incluye el tema ligero “Morning Call”, que cuenta con los coros de Isaac Clemon, y “Just Another Slow Jam”, en el que destaca la presencia vocal de Dawn Tallman y Tony Blount. Entre los invitados especiales que se incorporan a este sobresaliente trabajo discográfico es obligado citar al saxofonista y flautista Najee y al teclista Nicholas Cole. Se completa el disco con músicos de la talla de John Blasucci (teclados, programación), Chris “Big Dog” Davis (batería, teclados), Wayne Bruce (guitarra), James Lloyd (teclados), Tom Hipskind (batería, percusión) y Carl Carter (bajo). El disco es mezclado por Darren Rahn, Christopher DavisMaurice Houston siendo grabado en los CDS Studios de la localidad de Wallingford. La masterización corre de cuenta de Trevor Sadler en Mastermind Productions. El disco es producido por Nick Colionne, John Blasucci, James Lloyd y Nicholas Cole. El disco fue publicado el pasado año por el sello discográfico Trippin N Rhythm Records y a fecha de hoy sigue siendo todo un éxito. Congratulations Mr Colionne.

SELINA ALBRIGHT: CONVERSATIONS

Selina Albright es una compositora y cantante a la que conocemos hace tiempo. La vocalista es considerada, a todas luces, como una de las voces emergentes dentro del género musical del Jazz. Quizás, una de las características o cualidades de Selina, es que es una cantante muy versátil; no solo se mueve bien en el terreno del Jazz, sino que lo hace también dentro de géneros musicales como el Soul, el R&B, el Funk o el Jazz Contemporáneo. A pesar de su juventud ya cuenta con interesantes colaboraciones y participaciones a nivel musical. Destacable fue la colaboración vocal que le presta a su padre -el reputado saxofonista Gerald Albright– en el álbum titulado genéricamente “Pushing The Envelope”.  La aportación vocal  de Selina Albright en este álbum es brillante; de esta forma la podemos escuchar en “Get On The Floor”, tema originario de Michael Jackson y Louis Johnson, y en el clásico de Burt Bacharach y Hal David titulado “Close To You”. Tenemos que apuntar que no es la primera vez que Selina colabora con el saxofonista Gerald Albright, así, ya lo hizo en el álbum publicado en el año 1.997 titulado “Live To Love” o en su más reciente y último, “Sax For Stax”, en el que le puso voz y coros a dos composiciones. Selina Albright comienza a cantar con tan solo dos años de edad, aunque profesionalmente lo hace al cumplir los catorce al interpretar temas para un proyecto educacional publicado en Japón por la multinacional Sony. Sus primeras apariciones musicales las hace junto a su padre, del que siempre ha reconocido aprender mucho a su lado. La versatilidad de su registro vocal se debe a las muchas horas que ha dedicado a escuchar todo tipo de géneros musicales en diferentes idiomas. En el año 2.007 interpreta el himno nacional en el Auditorio Pepsi Center durante la celebración de unos campeonatos de baloncesto. También ha participado en tres ocasiones en la Convención Nacional Demócrata celebrada en Denver, Colorado, durante el año 2.008. Como cantante, ha sido vocalista principal de la formación musical The Jakarta Band, banda localizada en la ciudad de Denver y que está compuesta por Isaac Points (bajo y vocal), Orlando Poole (voz solista), Arlen Felsen (batería), Kevin Dawkins (trompeta y vocal), Stephen Wilburn (saxo y vocal), Tim Greenhouse (teclados) y Chuck Fisher (guitarra). Las influencias musicales de Selina Albright se centran en cantantes como Anita Baker, Whitney Houston, Ella Fitzgerald, Dinah Washington, Lalah Hathaway, o en formaciones musicales como Earth, Wind & Fire o Take Six. Igualmente, Selina ha compartido escenario con artistas y músicos de la talla de Chaka Khan, Will Downing, Jonathan Butler, Kirk Whalum, Rick Braun, Eric Roberson, Hugh Masakela, David Benoit, Richard Elliott o The Temptations, entre muchos otros. En el año 2.013, Selina presentaba un EP en el que se incluían cinco temas y, tres años más tarde, en el 2.016, presentaba el single “Sun Comes Up”. Hace tan solo unos meses, el pasado mes de Julio, Selina Albright tenía finalizada su nueva producción discográfica y la presentaba bajo el titulo genérico de “Conversations”. En esta ocasión se trata de un álbum en el que se contienen diez temas inéditos compuestos por la propia vocalista junto a James “JRob” Roberson y en colaboración con Chris “Big Dog” Davis. El single elegido para la presentación del disco es el titulado “Eat Something”, composición en la que la vocalista pone claro sus dotes vocales en estilos musicales diferentes como el R&B, el Soul o el Jazz vocal. El disco incluye la versión del tema titulado “If I Were A Boy”, composición escrita por BC Jean y Toby Gad e incluida en el álbum de Beyoncé publicado en el año 2.008 bajo el titulo de “I Am…Sasha Fierce”. El disco se completa con temas tan buenos como “Possible”, “Talk To Her”, “Highest High”, “Wifey Anthem”, “Search My Name”, “Victim”, “Let Go” y “Uncharted Love”. Como músicos invitados, Selina cuenta con la presencia de los guitarristas Peter White, David P. Stevens y Kay-Ta Matsuno, el teclista Chris “Big Dog” Davis y los saxofonistas Gerald Albright y Randy Ellis. Igualmente colaboran James “JRob” Roberson (teclados, batería), Kyle Smith (bajo) y Geno Finley (guitarra). Selina Albright pone voz y coros, realizando todos los arreglos vocales y componiendo música y letra. Chris “Big Dog” Davis compone “Highest High”, “Let Go” y “Uncharted Love”. En la producción ejecutiva y adicional Selina Albright, James “JRob” Roberson, Gerald Albright y Chris “Big Dog” Davis. Grabado en SanctiFLY Studios. Mezclado por Bob Horn y Kathy Chandler en The Echobar Recording Studios. Masterizado por Alex DeYoung. Excelente trabajo vocal de Selina Albright con el que cimenta una prometedora carrera artística como cantante.

TIM BOWMAN: INTO THE BLUE

Sus influencias musicales son el Gospel, la guitarra de George Benson y la música Country del guitarrista y cantante Roy Clark. Si a estas tres referencias musicales añadimos que Tim Bowman creció y paso su juventud en la ciudad de Detroit, podemos afirmar con rotundidad que el manejo que hace Bowman de su guitarra es sobresaliente. La relación de Bowman con el Gospel viene de lejos: sus primeros pasos musicales como guitarrista y compositor fueron junto a International Sound Of Deliverance, influente banda de Gospel de la época. Su paso por la banda fue fructífero: es fichado como guitarrista de acompañamiento de The Winans, legendario cuarteto de Gospel de la ciudad de Detroit compuesto por los hermanos Winans. Después de un tiempo de reposo y reflexión, Tim Bowman arranca su carrera ya como guitarrista solista. El sello discográfico Insync Records publica su primera producción discográfica bajo el titulo genérico de “Love, Joy, Peace”. A este álbum le seguirán otros como “Paradise” (1.998), “Smile” (2.000), “This Is What I Hear” (2.004) o “Tim Bowman” (2.008). En el año 2.010 se publicaba “The Collection”, álbum que recoge todos los éxitos de Tim Bowman desde el arranque de su carrera como guitarrista solista. Hace tan solo unas semanas, el pasado 8 de Septiembre, Bowman presentaba “Into The Blue”, nueva producción discográfica y sin duda uno de sus mejores trabajos hasta el momento. A lo largo de los doce temas y tres intros de que se compone el álbum, Tim Bowman además de tocar la guitarra también compone un buen número de temas. Buena prueba de ello son composiciones como “City Lights”, “Into The Blue”, “Hello”, “Love Forever More”, “Madrid”, “Travelin´Road”, “Seaside Drive” y “Goodbye”. Este nuevo proyecto musical de Tim Bowman esta muy bien balanceado; se alternan temas instrumentales, vocales, up-tempo y baladas. Además destacan tres intros que nos encantan y donde Bowman demuestra ser todo un virtuoso del instrumento: “Hello”, “Madrid” y “Goodbye”. La producción del álbum es impecable y cuenta con la presencia del propio Tim Bowman al que se unen Darren Rahn, Wirlie Morris, Dana Davis, Demetrius Nabors, Cordell Walton y Randy Scott. Entre los músicos invitados al nuevo proyecto musical de Tim Bowman destacan los saxofonistas Darren Rahn, Randy Scott y Elan Trotman; los vocalistas Angela Johnson, Tim Bowman Jr y Stokley y el trompetista y fliscornista Jason Rahn. El plantel de músicos se completa con Mel Brown, Tarell Martin, Wirlie Morris, Joel McCray, Dana Davis, Jonathan Du Bose, Eric Brice, Demetrius Nabors, Kenny Brooks, Rob Skinner, Josh Davis, Audra “Dodi” Alexander, Gwen “Gwenation” Barnes, Angelique Lena Starks, Beth Griffith-Manley, De Anna Johnson, Desmond Willis, Torrence D. Greene, Marlon McClain, Cordell Walton, Adam Hawley, Terrance Palmer y Chris Johnson. El álbum es masterizado y mezclado por Darren Rahn en The Litterbox, sus estudios de sonidos localizados en la ciudad de Denver. El tema “Amazing Grace Party” es mezclado por Eric Morgeson en Studio A. El disco es publicado y editado por el sello discográfico I.M. Records. Brillante regreso de uno de nuestros guitarristas favoritos. “Into The Blue” es ya uno de los álbumes importante de este año.

CHRISTIAN SANDS: REACH

Con tan solo 28 años ya cuenta con 5 nominaciones a los prestigiosos Grammy Awards. Sin duda estamos ante uno de los pianistas que marcaran el devenir de este siglo. Con tan solo cuatro años de edad, Christian Sands comienza a tocar y a recibir clases de piano. Durante su infancia -que transcurre de forma apacible en la localidad de New Haven– el pequeño Sands tan solo tiene un juguete con el que se distrae y al que dedica horas y horas: el piano de la sala de estar de su casa. Sus padres fomentan su temprana afición con formación musical al respecto. Decidido a ser músico de profesión, Christian Sands se matricula en la prestigiosa Manhattan School Of Music, donde demuestra sus habilidades musicales. Billy Taylor, pianista clásico de jazz se convierte en su protegido y le alumbra el camino llegando a tocar sus primeros compases en el Kennedy Center. El bajista Christian McBride se fija en él y le hace una propuesta: Christian Sands no lo duda y se une a la banda del carismático bajista con la que graba y gira. Las influencias musicales de Sands se apoyan en dos pilares musicales: Kenny Garrett y Marcus Robert. Apoyado en estas influencias, Sands introducirá nuevos ingredientes –Blues, ritmos latinos, Hip-Hop– consiguiendo un resultado final interesante y brillante. “Footprints” es su primera producción discográfica como músico solista; será el primer paso de una larga andadura discográfica con producciones musicales propias tan meritorias como “Harmonica” (2.004), “Risin´” (2.007), “Furioso” (2.008) o “Take One” (2.014). En el año 2.013 participa en dos de los álbumes notables de Christian McBride: “People Music” y “Out Here”. Su asociación con McBride continua sólida y se afianza con el tiempo. Además tiene tiempo de ser pianista de acompañamiento de otros músicos –Bobby Sanabria, Ulysses Owens, entre otros- y continuar con su labor pedagógica de enseñar y transmitir música a los más jóvenes. Sin duda, todo un ejemplo. Hace tan solo unos meses, el sello discográfico Mack Avenue Records quiso contar con el joven músico para el lanzamiento de su nueva producción discográfica. El pasado 21 de Abril se presentaba “Reach”, nueva producción discográfica de Sands, que incluía un total de 10 composiciones. Lo que nos vamos a encontrar en “Reach” es el excelente sonido de piano de Christian Sands, que en ocasiones llega a alcanzar el virtuosismo. Sands combina composiciones movidas con temas encuadrados en la balada. Tampoco se olvida de incursionar en los sonidos y ritmos latinos. Buena prueba son temas como “¡Óyeme!” y “Armando´s Song”. En este nuevo disco se rinde tributo a músicos de la talla de Chick Corea, Pat Metheny y Bud Powell. El bajista Christian McBride le devuelve el favor al joven pianista tocando el bajo en el tema titulado “Use Me“. Además, se cuenta con la presencia musical de Marcus Baylor (batería), Yasushi Nakamura (bajo), Gilad Hekselman (guitarra), Cristian Rivera (percusión) y Marcus Strickland (saxo). El Grammy Awards puede estar a la vuelta de la esquina.

WARREN WOLF: CONVERGENCE

Su primera producción discográfica fue presentada en el año 2.005 bajo el titulo genérico de “Incredible Jazz Vibes”. Más adelante vendrían álbumes como “Black Wolf” (2.009), “WW” (2.011) y “Wolfgang” (2.013). Warren Wolf es uno de los músicos más prometedores de los Estados Unidos. Compositor y multiinstrumentista, este joven músico nacido en la ciudad de Baltimore es todo un experto en el manejo del vibráfono; además toca otros instrumentos como el piano, la marimba o la batería. Su formación musical es clásica aunque su interés por la música le ha llevado a interesarse por el Ragtime y, por supuesto, por el Jazz más clásico. Sus influencias musicales no pueden ser más clásicas dentro del mundo del Jazz: Charlie Parker, Miles Davis, Duke Ellington, Louis Armstrong, Freddie Hubbard, Oscar Peterson o Herbie Hancock, entre sus favoritos. Alumno brillante de la Berklee College Of Music, centro académico por excelencia y donde recibe clases de profesores tan ilustres como Dave Samuels y Ed Saindon. En el año 2.010 participa como músico de acompañamiento en “Decisive Steps”, álbum de la saxofonista Tia Fuller. Además de su carrera como músico solista, Warren Wolf es vibrafonista de la banda Inside Straight junto al bajista Christian McBride, el saxofonista Steve Wilson, el pianista Eric Reed y el batería Carl Allen. Continuando con su carrera como músico solista, Wolf presentaba en el mes de Junio del pasado año el álbum titulado “Convergence”, publicado por el sello discográfico Mack Avenue Records. En el disco participan el bajista Christian McBride, el pianista Brad Mehldau, el guitarrista John Scofield y el batería Jeff “Tain” Watts. Wolf vuelve a dar color con su vibráfono a temas extensos como “Four Stars From Heaven” (11:05) o “A Prayer For The Christian Man” (8:37), al mismo tiempo que no deja de incluir temas de versiones clásicas de Dave Samuels, Stevie Wonder, Bobby Hutcherson, Hoagy Carmichael o Gene Perla. No pudiendo olvidar su formación clásica, el vibrafonista incluye el clásico de Frederic Chopin titulado “The Minute Waltz”. El resto de las composiciones son compuestas y arregladas por el propio vibrafonista.

URBANITY: URBANSOUL

La colaboración musical entre el guitarrista Albert Dadon, conocido con el sobrenombre de Albare, y el pianista y teclista Phil Turcio comenzó hace veinte y siete años cuando el guitarrista se encontraba buscando un nuevo pianista para su banda. Por aquel entonces Phil Turcio tan solo tenía diez y ocho años. Ambos músicos –Dadon y Turcio– tenían algo en común: escuchaban música con la que ambos se identificaban plenamente. Ambos músicos tienen carreras artísticas por separado; Albare tiene publicados álbumes como “Dreamtime”, “The Road Ahead” o “Midnight Blues”, entre otros, mientras que Phil Turcio publicaba el pasado año el álbum titulado “Signals”. “Amamos el Jazz en el sentido más tradicional del concepto”. En base a esta afirmación enunciada por ambos músicos, decidieron unir fuerzas y conformar una formación musical conocida con el nombre de Urbanity, y de esta forma poder presentar su álbum debut el pasado mes de Marzo bajo el titulo genérico de “UrbanSoul”. Este primer álbum en común se compone de un total de once composiciones inéditas más la versión del tema “Angie” originario de Mick Jagger y Keith Richards. Temas instrumentales tranquilos y pausados donde el protagonismo musical se reparte al cincuenta por ciento. En lo que a la composición se refiere, Albare compone temas como “The Mind Reader” o “Something Sweet”, mientras que Phil Turcio se hace cargo de composiciones como “UrbanSoul”, “Deep” o “Don´t Look Back”. Por lo que respecta a los temas “Mystical”, “The Holy Man Part 1 & 2” y “The Eye Of The Storm Part 1 & 2” son escritos por ambos músicos. A lo largo de todos los temas, Albare se va a ocupar de la guitarra y de la cuerda y Phil Turcio se hace cargo de los teclados, piano y sintetizadores. La grabación del álbum se realiza en los estudios de Albare y de Phil Turcio ubicados en  la ciudad australiana de Melbourne. El disco es producido y mezclado por ambos músicos. De la masterización del proyecto musical se responsabiliza Leon Zervos en los St Studios 301. El disco es publicado por el sello discográfico Alfi Records.

ED MAINA: IN THE COMPANY OF BROTHERS

Ed Maina es un experimentado músico y compositor. Experto en instrumentos de viento, maneja con soltura saxo y flauta. Académicamente hablando, el expediente musical de Ed Maina no puede ser más sobresaliente: obtiene el Bachelor Of Arts Degree en Jazz y esta en posesión de un Master Degree en pedagogía de Jazz impartido por la prestigiosa University Of Miami. A todo esto hay que sumar que actualmente se encuentra cursando el segundo curso de Associate Director Of Bands, actividad que alterna con la dirección de la orquesta del Flanagan High School. Como músico de acompañamiento ha tocado con Linda Eder, Natalie Cole, Frank Sinatra, Paul Anka, Jon Secada, Chaka Khan, Peabo Bryson, Gladys Knight And The Pips, Bob James, Oscar Peterson, Mel Torme o The Maynard Ferguson Orchestra. En definitiva, el saxo y la flauta de Ed Maina ha sonado en más de 100 producciones discográficas. Actualmente se encuentra tocando vientos en la formación musical conocida con el nombre de The Circle. El pasado 5 de Enero el músico presentaba su primer trabajo discográfico como saxofonista solista bajo el titulo genérico de “In The Company Of Brothers”. Esta primera producción discográfica de Ed Maina se compone de un total de once composiciones inéditas. El veterano músico, además de tocar los instrumentos de viento en todos los temas, también se atreve con la composición de canciones. Buena prueba de ello son temas como “Mi Hermano”, “Freed Indeed”, “My Father´s Sky” o “Imela Chukwu”. El álbum presenta tanto temas movidos o ligeros como baladas y composiciones más pausadas. Entre los temas lentos es obligado citar “You´re Still Here With Me”, “Priscilla” y “Picture Of Hope”; entre las composiciones más rítmicas: “This Is The Moment”, “Quelly´s Song”, “Imela Chukwu” o “My Father´s Sky”. En este debut discográfico, Ed Maina se mueve de manera brillante en géneros y estilos musicales tan variados como el Pop, el Smooth Jazz, el Funk y los ritmos latinos. Como tema vocal del álbum destacar la composición titulada “Picture Of Hope” que cuenta con la participación vocal de Carolina Herrera y de Javier Díaz. En este debut discográfico acompañan al músico un brillante plantel de músicos que es obligado citar: los bajistas Abe LaborielGabby Vivas, Oskar Cartaya y John DiMonica; los pianistas Jim Gaisor, Kemuel Roig y Rick Krive; los guitarristas Dave Cabrera, Jonathan Orriols y Gustavo Eraso; los baterías Abner Torres y Hilario Bell; los percusionistas Héctor “Pocho” Nuciosup, Charlie Santiago y Daniel Berroa; los trompetistas Ira SullivanJim Hacker; el trombonista John Kricker y la flautista Priscilla Wagner. Del saxo, de la flauta, del clarinete y del piccolo se ocupa el propio Ed Maina. El disco es publicado por el sello discográfico Do It Again Records. Excelente debut discográfico.

HERLIN RILEY: NEW DIRECTION

El batería Herlin Riley forma parte de la extensa discografía de Wynton Marsalis. Participa prácticamente en casi todas las producciones discográficas de Marsalis, siendo sin duda Riley, su baterista de cabecera. Batería de Jazz y miembro de la Lincoln Center Jazz Orchestra, Riley es oriundo de New Orleans. Se inicia en el manejo de la batería y de la trompeta con tres años de edad, siendo finalmente elegido la batería como instrumento principal. El pianista Ahmad Jamal no duda en integrarle en su banda después de escucharle tocar. Su relación con el pianista dura tres años, tiempo en el que se consolida como brillante y sobresaliente músico de acompañamiento. El manejo de sus baquetas es inconfundible. El impecable sonido de su batería ha acompañado a músicos tan sobresalientes como George Benson, Harry Connick Jr o Marcus Roberts, entre muchos otros. Herlin Riley es el músico de acompañamiento perfecto y que toda banda querría tener; sus producciones discográficas como músicos solistas son escasas, tan solo dos álbumes: “Watch What You´re Doing” (2.000) y “Cream Of The Crescent” (2.005). El pasado año el batería nos daba una sorpresa y presentaba de la mano del sello discográfico Mack Avenue Records su nueva producción discográfica. “New Direction” incluía un total de diez composiciones de las cuales siete eran compuestas y arregladas por el propio batería. Entre los músicos que participan en el álbum destacan Emmet Cohen (piano), Russell Hall (bajo), Bruce Harris (trompeta) y Godwin Louis (saxo). En lo que a músicos invitados se refiere, “New Direction” cuenta con presencia musical del guitarrista Mark Whitfield y del percusionista cubano Pedrito Martínez. ¡Ojalá! que esto sea el comienzo de una nueva carrera como músico solista y el batería Herlin Riley nos regale más álbumes en solitario.

KATHY SANBORN: RECOLLECTING

Kathy Sanborn siempre ha sido una vocalista muy querida en nuestras páginas. Nativa de la ciudad de Los Angeles, esta cantante, compositora, pianista, productora y multiinstrumentista es una trabajadora incansable. Su carrera arranca en el año 2.008 con el lanzamiento del álbum “Peaceful Sounds”. A este brillante debut le seguirán producciones tan notables como “Small Galaxy” (2.010), “Blues For Breakfast” (2.011), “Six Degrees Of Cool” (2.012), “Sultry Night” (2.013), “Fantasia” (2.014) o “Lights Of Laniakea” (2.014). El lanzamiento y presentación de álbumes ha ido pareja con la obtención y nominación de premios y distinciones: American Songwriting Award, Hollywood Music In Media Awards, ZMR Awards, One World Music Radio Awards o Clouzine International Music Awards.  Su registro vocal sedoso y suave ha sido comparado con figuras de la talla de Anita O´Day, Chris Connor o June Christy. Sus primeras actuaciones las realiza frente al espejo de su dormitorio siendo aún una niña. Muy presente esta el sonido del saxo de su padre, músico amateur y amante del sonido Big Band. Se inicia en el mundo de la danza y del ballet, pero pronto se decanta por la música. Más adelante obtendrá una graduación en la prestigiosa California State University de Sacramento. Su música se caracteriza por la mezcla y combinación de géneros y estilos musicales tan variados como el Jazz vocal, el New Age, el Pop o el R&B. En todos sus producciones discográficas se encarga tanto de la composición de los temas así como de los arreglos musicales. Siempre colabora con músicos de su confianza; buena prueba de ello es la presencia en sus álbumes del trompetista Wayne Ricci, el bajista Scott Petito o el batería y percusionista Chris Carey. El pasado mes de Agosto, Kathy Sanborn presentaba su nueva producción discográfica bajo el titulo genérico de “Recollecting You”. Esta nueva entrega musical comprende un total de diez composiciones inéditas encuadradas dentro del estilo de la balada y de la canción ligera. La voz sedosa, peculiar e inconfundible de Sanborn se acompaña a lo largo de todo el álbum de músicos de la talla de Keerthy Narayanan (teclados y bajo), Aman Almeida (piano), Abhinav Khanna (batería) y Wayne Ricci (trompeta). Como artistas musicales especiales destaca la presencia de los guitarristas Vito Gregoli y Ciro Hurtado en los temas “Another Sultry Night”, “Falling” y “Kissed” y de la violinista Rocio Marron en el tema “Guiding Light”. En esta flamante producción discográfica la vocalista vuelve a crear atmosferas y ambientes musicales llenos de musicalidad, frescura y de buen gusto. El disco se completa con temas tan bien ejecutados instrumentalmente e interpretados como “Heart Don´t Tell”, “Reflections In The Rain”, “Always You” y “Recollecting You”, tema que se presenta también como bonus track en versión snowfall y que sirve de cierre a un excelente álbum. La música, los arreglos musicales y la composición de los temas corren de cuenta de la propia vocalista, quien además participa en las labores técnicas de grabación del disco junto a Keerthy Narayanan. El disco es masterizado por Bharath BJ en ReChord Studios, Bangalore, India. Como es habitual en las producciones de Kathy Sanborn, el sello discográfico que lo publica es Pacific Coast Jazz Records. Brillante regreso de Kathy Sanborn.