NOVEDADES DISCOGRAFICAS. ABRIL
Smooth Forever Abril 30th, 2012
ROD WILLIAMS – HANDS DOWN (SMOOTH LIKE DAT RECORDS)
JEFF ALLISON – FREE AGENT (JOSIAH RECORDS)
RANDY CRAWFOR & JOE SAMPLE – LIVE (PID RECORDS)
WALTER BEASLEY - SAX MEDITATIONS (AFFABLE RECORDS)
CURTIS STIGERS – LET´S GO OUT TONIGHT (CONCORD MUSIC GROUP)
MICHAEL FRANKS – THE DREAM 1.973-2.011 (WARNER MUSIC FRANCE)
LUTHER VANDROSS – HIDDEN GEMS (LEGACY RECORDINGS RECORDS)
CYNTHIA BASINET – PAPER MOON (DREAMSVILLE RECORDS)
BOB BALDWIN – BETCHA BY GOLLY WOW: THE SONGS OF THOM BELL (ENTERTAINMENT ONE MUSIC RECORDS)
CHRIS BOTTI – IMPRESSIONS (COLUMBIA RECORDS)
WAYNE KRANTZ – HOWIE 61 (ABSTRACT LOGIX RECORDS)
ESBJORN SVENSSON TRIO – 301 (ACT MUSIC RECORDS)
WALTER TROUT – BLUES FOR THE MODERN DAZE (MEGAFORCE RECORDS)
ROBERT KRAMERS – ON THE BLOCK (INDEPENDENT LABEL)
WALTER BEASLEY – LIVE IN THE GROOVE (AFFABLE RECORDS)
SKII HARVEY – BOUND BY HISTORY (VIE PUBLICATIONS)
GRADY NICHOLS – DESTINATIONS (GLN RECORDS)
Su anterior y primer trabajo discográfico -“Full Circle And The Great Temptation”- nos encantó. Ese álbum supuso el lanzamieto y presentación del comp0sitor y guitarrista Pete Gitlin. Su álbum debut no puedo ser más exitoso; logro alcanzar los primeros puestos de las listas de éxito norteamericanas y contó con la presencia de músicos de la talla de Michael Broening, Mel Brown, Jeff Kashiwa, Dominic Amato, John Herrera, Mike Smith o Thano Sahnas. Han pasado más de tres años de este primer lanzamiento y desde hace unas semanas ya está sonando el segundo álbum de Pete Gitlin que lleva por titulo genérico “Amplify”. En esta segunda entrega el guitarrista nos vuelve a ofrecer sonidos y géneros musicales propios del Jazz más actual. El disco se compone de un total de diez canciones donde música y letra es obra del propio compositor y guitarrista. De esta forma, Pete Gitlin regresa de nuevo a los sonidos más contemporáneos y actuales del Jazz eligiendo como single presentación del álbum el tema titulado “Lucky In Love” en el que colabora el saxofonista Ted Belledin. Este primer single elegido para la presentación del segundo trabajo discográfico de Pete Gitlin ya se encuentra sonando en todas las emisoras de radio norteamericanas y está entre las canciones más solicitadas en el SmoothJazz Top 20. Al tema “Lucky In Love” se le ha querido dar la importancia merecida y de esta forma es el tema que abre el álbum. Desde este primer corte y a lo largo de todo el disco, vuelve a sorprender el buen sonido de la guitarra de Pete Gitlin que incluso se atreve a tocar el bajo en el tema de estilo Country titulado “Cowboys And Indians”. Pete Gitlin vuelve a dar importancia a los temas cantados y en este nuevo trabajo incluye “Soul Connection”, interpretado por Dony Adair y que cuenta con la colaboración del saxofonista Dominic Amato, y “Until The Morning Comes”, composición inspirada en el sonido Philadelphia y que es cantada por Dennis Rowland. El álbum cuenta con dos colaboraciones musicales de instrumentistas que todos conocemos; Cindy Bradley interpretando su fliscorno en la balada “If You Say So” y el saxofonista y flautista Jeff Kashiwa ejecutando brillantemente su saxo en los temas titulados “Another Day In Paradise” y “Amplify”. Igualmente destacables son “Straight Down The Fairway”, que es sin duda el corte más jazzístico del álbum y que vuelve a contar con la presencia del saxofonista Dominic Amato, y “Reggaetown” donde predomina el sonido de guitarra eléctrica. El disco se completa con el muy tranquilo tema “Across The Endless Ocean” interpretado por el guitarrista en guitarra acústica. Entre los músicos que colaboran en el disco hay que mencionar a Michael Broening, Mel Brown, John Herrera, Diana Lee, Jodi Light, Yonathan Miller y Stan Sorenson. Todos los temas son compuestos y arreglados por Pete Gitlin, que igualmente es el productor ejecutivo del disco. El nuevo álbum es producido, grabado, mezclado y masterizado por John Herrera en Clamsville Studios, en Chandler, Arizona. En la grabación se cuenta con la brillante técnica de Sean Conkling y John Bradley. De la dirección artística, el diseño y la fotografía de la portada se encarga Kelly Cappelli. El álbum es presentado por el sello discográfico Coming Together Records. Pete Gitlin, con este nuevo trabajo discográfico, se consolida como uno de los guitarristas de referencia nortemericanos. Excelente álbum.
Productor discográfico, promotor, melómano y A&R. Oscar “Ozzie” Cadena nace el 26 de Septiembre de 1.924 en la localidad de Oklahoma City y muere el 9 de Abril de 2.008, a causa de una neumonía, en el Little Company Of Mary Hospital de la localidad californiana de Torrance. Sirvió como marine en la Segunda Guerra Mundial y estuvo destinado en las campañas del Pacífico. Desaparece así una de las figuras, desde el punto de vista de la producción musical, más importantes del siglo pasado. Además de la producción musical en el género más clásico del Jazz también se dedicó a la organización de eventos y conciertos musicales. Inicialmente comenzó a trabajar para el sello Blue Note pero sus logros más importantes los realizó en los sellos discográficos Savoy Records y Prestige Records. Se codeó con las grandes figuras del mundo del Jazz durante más de 30 años siendo las décadas más productivas los años 50, 60 y 70. A principios de 1.950, Herman Lubinsky, propietario del diminuto sello discográfico Savoy Records y de la estación de radio llamada Radio Records Shop, ofrece un puesto directivo en el sello discográfico a Oscar Cadena. No lo duda, acepta el ofrecimiento del empresario y convierte a Savoy Records en un sello musical de referencia respecto a la música de Jazz. Es en Savoy Records donde Oscar Cadena desarrolla una actividad productiva más frenética teniendo contacto personal y grabando los primeros discos de músicos tan importantes como Cannoball Adderley o el mismísimo Miles Davis. Durante el tiempo que permaneció en Savoy Records, Oscar Cadena grabó los primeros álbumes del saxofonista Cannoball Adderley o de los trombonista J.J. Johnson y Kai Winding, participando en míticas sesiones musicales de músicos de la talla del contrabajista Charles Mingus, los pianistas Bill Evans y McCoy Tyner, el vibrafonista Milt Jackson, el batería Kenny Clarke o el también saxofonista Yusef Lateef. Intervino también en la carrera artística del saxofonista Dexter Gordon, el trompetista Donald Byrd o el músico Ornette Coleman. Pero lo más importante estaba por llegar, de esta forma Oscar Cadena es parte del éxito de las grandes leyendas del mundo del Jazz, colaborando en las audiciones y grabaciones de Dizzy Gillespie o el inolvidable John Coltrane. Es en este momento cuando se produce la marcha de Oscar Cadena, dejando a Savoy Records como un sello discográfico de referencia musical para los aficionados al mundo del Jazz. Es fichado por Prestige Records y en este sello el productor se atreve a la producción de un nuevo género musical: El Soul. De esta forma produce a artistas que ya no pertenecen al mundo del Jazz. Jack McDuff, Shirley Scott o Red Holloway fueron artistas pertenecientes al género Soul que fueron producidos por Oscar Cadena antes de que el productor fundara su propio sello discográfico. Después de su experiencia en Savoy Records y Prestige Records se atreve y se lanza como empresario fundando el sello discográfico Choice Records con el que produce y edita trabajos musicales de artistas como Charles Earland, el dúo Brownie McGhee & Sonny Terry y The Sunset Travelers. Una vez que cambia de género musical su mente se abre a otros, de esta forma también se interesó por la música Gospel editando a artistas como Clara Ward, James Cleveland o el grupo que abanderaba Cissy Houston, madre de la desdichada Whitney Houston. Comenzada la década de los años 70´s, Oscar Cadena decide fijar su residencia en la ciudad de Los Angeles y amplia sus inquietudes empresariales, continuando como promotor de conciertos y dedicandose también al mundo editorial, así como regentado The Grab Bay Record Store , tienda dedicada a la venta de música con dos sucursales abiertas; una en New Jersey, y otra en Hermosa Beach. Desde el punto de vista de promotor musical tuvo estrecha relación con legendarios clubes de la Costa Oeste americana. Así organizó y promocionó eventos musicales en el Hyatt Club, en el mítico Lighthouse Café o en el Sangría Restaurant. Fue una época muy feliz para Oscar Cadena donde llegó a manifestar: “No puedo pedir más, por el día tengo sol y playa y, por la noche Jazz“. Oscar Cadena se entregó en cuerpo y alma a la música y escuchaba Jazz a diario. Quizás la única tristeza que le quedó es que su hijo Dez Cadena, actual cantante del grupo de Punk Black Flag, no elegiera como género musical el Jazz. De acuerdo con los propios deseos del productor, no se celebró ningún servicio funerario público y sus cenizas fueron esparcidas en la intimidad familiar. Semanas después de su muerte, al legendario productor se le rindió tributo con la celebración de una serie de conciertos Se está preparando un concierto de Jazz como tributo a la figura de Oscar “Ozzie” Cadena.
Podemos afirmar de forma categórica que la música cubana está en su mejor momento. Cuba, la perla del Caribe, siempre ha contado con músicos excepcionales, tanto en épocas pasadas, como a lo largo de este recién estrenado siglo. Buen ejemplo de ello son músicos y artistas de la talla de Paquito D´Rivera, Mongo Santamaría, Tito Duarte, Arturo Sandoval, Ernesto Lecuona, Mario Bauzá, Alberto Falcón o el pianista de plena actualidad, Alfredo Rodríguez. De alguna manera, los ingredientes y ritmos cubanos han influido de manera notable en géneros musicales tan sobresalientes como el Jazz, llegando incluso a crear una denominación musical propia. La música en Cuba ha tenido una importancia sobresaliente y forma parte de su patrimonio cultural, patrimonio, que por otra parte, se ha exportado a otros países del mundo. Este el caso del compositor y saxofonista Pedro Ortiz de la Iglesia, conocido artísticamente como “Peari”. Nacido en la localidad de Camagüey, con tan solo siete años comienza su afición por la música, gustándole interpretar temas cantados en el poblado cubano de Elia. Su siguiente paso fue decidirse por el instrumento que debía elegir para así convertirse en músico. Por sus manos pasaron guitarras, acordeones y muchos más instrumentos, hasta que un día, rebuscando en un viejo baúl, llegó a sus manos un viejo saxofón. No lo dudo. Quedó cautivado por el brillante y a la vez suave sonido que salía de su campana. En poco tiempo logra dominar la técnica de ejecución del instrumento de forma autodidacta. Pedro Ortiz de la Iglesia, con el paso del tiempo se gradua de profesor instructor de música por el C.S.P. Francisco Muñoz Rubalcaba de la provincia de las Tunas, a lo que añadirá posteriormente, una licenciatura en educación musical por el Instituto Superior Pedagógico de Camagüey. Trabaja diez años como instructor y profesor de música obteniendo numerosos logros y reconocimientos. De su localidad natal salta a la ciudad de La Habana, ciudad donde empieza a foguearse como músico tocando para los turistas visitantes de la ciudad. Pone el sonido de su saxofón a disposición del septeto musical conocido como “Cagüairán”, convirtiéndose con este hecho en el precursor de la utilización de un saxo entre las agrupaciones musicales de La Habana vieja. Dirigiendo el quinteto musical “Son del Caribe”, tiene la oportunidad de viajar a España para promocionar la música cubana en la localidad costera de Cartagena. En el año 1.997, después de muchos viajes de ida y vuelta, fija su residencia en Cartagena. Aficionado y amante del Jazz más contemporáneo, publica su primer trabajo discográfico -”Piri”- en el año 2.000; pero tendrán que pasar más de diez años para que Pedro Ortiz de la Iglesia edite su trabajo más completo. “Moonlight Sax” ve la luz el pasado año y contiene un total de 10 temas, todos compuestos, arreglados y producidos por el propio saxofonista. Pedro Ortiz de la Iglesia se encarga de todas las interpretaciones de saxo alto y de guitarra, así como de la programación e interpretación de todos los instrumentos, tanto reales como virtuales, ocupándose igualmente de la orquestación, grabación y masterización de la totalidad del álbum. El disco arranca con el rítmico “Moonlight Sax”, tema que pone de manifiesto la querencia del saxofonista por los ritmos y sonidos procedentes de su Cuba natal. A lo largo de todo el primer trabajo de Pedro Ortiz de la Iglesia se combina la música latina con el Jazz más comtemporáneo y actual. Entre los temas más rítmicos destaca, además del que titula genéricamente el álbum, composiciones como “De Santiago A La Habana Pôr Autopista Norte”, “Si Te Vas”, “Amanecer” o “Cha Cha Soul”. El disco incluye también excelentes baladas como por ejemplo “El Arroyito Del Chino” o “Te Extraño” y también brillantes temas de Smooth Jazz como “La Libertad”, “La Luna En Tus Ojos” o “Chico Pelirrojo”. Sin lugar a dudas, “Moonlight Sax”, consolida la carrera musical de este excelente músico afincado en España.
Con tan solo 8 años de edad y siguiendo las instrucciones dadas por uno de sus profesores a sus padres, Alfredo Rodríguez fue expulsado del Conservatorio de Música Clásica de La Habana. No era considerado ni buen alumno, ni buen músico. Su puesto en el citado conservatorio debía de ser ocupado por otra persona que contara con aútenticas facultades musicales. Han transcurrido más de veinte años desde que Alfredo Rodríguez fuera declarado como “no apto” en el Conservatorio de Música Clásica de La Habana y hace tan solo unos días ha presentado su primer álbum de la mano del legendario músico, compositor, productor y auténtico Rey Midas de la música Quincy Jones. Puedo imaginar la cara que se les ha quedado a los responsables del Conservatorio de Música Clásica de La Habana. Pero el tributo que ha tenido que pagar este joven compositor y pianista es alto; aprovechando un concierto ofrecido en México, toma la difícil decisión de no regresar a su Cuba natal solicitando asilo en el país azteca. Sueños de juventud, ilusiones y lo más importante, su familia, no pudieron con la pasión que Alfredo Rodríguez siente por la música. Su pasión por la música está inscrita en su ADN, afición transmitida con verdadero cariño por su progenitor, uno de los cantantes más prestigiosos de Cuba y de quien heredó el nombre. Alfredo Rodríguez comienza a tocar música clásica, afición que compagina con la audición y práctica de la música tradicional cubana. A los 17 años de edad su vida da un giro radical al recibir como regalo de su tío un disco de Jazz. Es en este momento cuando se interesa por este género musical, convirtiéndose el Jazz en lo más importante de su vida. Según palabras del propio Rodríguez, el Jazz le permitía expresar sus sentimientos y su estado anímico, ya fuera bueno o malo. A este despliegue de sentimientos se une la improvisación, elemento musical que cautivó al músico y que le permitió incluso ser más libre. Quincy Jones entra en la vida de Alfredo Rodríguez cuando el legendario productor tiene la oportunidad de verle tocar el piano en Suiza, en el Montreaux Jazz Festival. Sin duda alguna Alfredo Rodríguez era un auténtico junkie (adicto a la música), no paraba de practicar y de componer. Con tan solo escuchar los primeros compases ejecutados magistralmente por Alfredo Rodríguez, Quincy Jones quedó seducido por el joven músico y decide apadrinarlo en el inicio de su carrera musical. Quincy Jones, en palabras del propio Rodríguez, se convierte en su segundo padre y en la persona más influyente. Quincy Jones no duda en hacer las gestiones necesarias para que el pianista haga su primera presentación musical en los Estados Unidos. De esta forma es incluido en el programa musical del prestigioso Playboy Jazz Festival. El lugar elegido para su debut no puede ser mejor: el escenario del Hollywood Bowl, auténtica meca de la música norteamericana. La mayoria de los temas presentados e interpretados por Alfredo Rodríguez son composiciones de su propia autoría. En su primera presentación en los Estados Unidos comparte escenario con figuras reconocidas en el género del Jazz como Patti Austin, Kenny G, Esperanza Spalding, Monty Alexander, The Neville Brothers, la Jack Sheldon Orchestra y el cuarteto de Anat Cohen, entre otros. El pasado 13 de Marzo Alfredo Rodríguez cumplía su sueño realidad y presentaba su primer trabajo discográfico bajo el titulo genérico de “Sounds Of Space”. El álbum se compone de un total de 11 composiciones, todas escritas y arregladas por Alfredo Rodríguez. El disco arranca con el tema titulado “Qbafrica”, merecido homenaje a Quincy Jones apodado por Frank Sinatra con el sobrenombre de “Q”. A este tema le seguirán composiciones tan brillantes como “Silence”, “Cu-Bob”, “April”, “Crossing The Border”, “Transculturation”, “Fog” o los muy latinos “Sueño De Paseo” o “…Y Bailaría La Negra?”, tema dedicado al compositor y pianista cubano Ernesto Lecuona. Alfredo Rodríguez, a lo largo de todo el álbum, mezcla y combina de forma magistral Jazz clásico con sonidos y ritmos latinos propios de su Cuba natal, llegando incluso a recordarnos con el sonido de su piano a músicos de la envergadura de Keith Jarrett, Oscar Peterson, Bud Powell o Thelonious Monk. Es obligatorio señalar que “Sounds Of Space” desprende signos de nostalgia hacia una tierra abandonada por un futuro mejor y así lo pone de manifiesto en temas como “Sueño De Paseo”, “Crossing The Border”, “Fog” o “…Y Bailaría La Negra?”. El pianista aprovecha este primer trabajo discográfico para rendir un merecido tributo al también pianista Bud Powell. El tema titulado “Cu-Bob” está dedicado a él y Rodriguez a lo largo de toda la ejecución del tema fantasea con la posibilidad de que el pianista norteamericano hubiera nacido en Cuba y de como hubiera sido su música si esto hubiera ocurrido. Alfredo Rodriguez plasma toda su fuerza y su impecable manejo del piano en el tema titulado “April”, composición de más de seis minutos de duración y donde tan solo se escucha el sonido de su piano. Otro de los temas a destacar en este excelente primer trabajo discográfico del pianista cubano es el titulado “Crossing The Border”, tema que compuso en sus primeros días ya establecido en los Estados Unidos y que refleja todas las emociones y esperanzas que suponen el abandono de su querida Cuba. Este primer álbum del pianista cubano es producido por Quincy Jones, contando con la producción asociada de Mark Ross. Destacar la presencia de Gretchen C. Valade como productor ejecutivo de Mack Avenue Records y de Adam Fell como coproductor ejecutivo de Quincy Jones Productions. Alfredo Rodríguez se acompaña a lo largo de todo el álbum de los bajistas Gaston Joya y Peter Slavov; de los baterías y percusionistas Michael Olivera y Francisco Mela; del saxofonista Ernesto Vega y de la flautista Santa Cecilia Quartet. El disco es presentado y editado por el sello discográfico Mack Avenue Records. Después de escuchar “Sounds Of Space” podemos afirmar que Alfredo Rodríguez es el pianista revelación de este año 2.012.
Hiroshima es ya una de las bandas legendarias de Jazz contemporáneo. Podemos afirmar que su música ha influido a bandas como Kilauea, Fattburger, Spyro Gyra, Oriental Express o Fourplay, entre muchas otras. Además de ser una de las formaciones musicales más influyentes, también es una de las más veteranas. Sus inicios datan del año 1.974 cuando el multiinstrumentista Dan Kuramoto, afincado en los Estados Unidos, decide formar una banda que fusione y combine la música japonesa con géneros musicales tan variados como el Jazz, el Pop, el R&B o la World Music. Dan Kuramoto decide presentar el primer álbum de la banda en el año 1.979 bajo el titulo genérico de “Hiroshima”. El primer single de la banda fue “Roomful Of Mirrors”, composición que fue un auténtico éxito y que logró alcanzar los primeros puestos de las listas norteamericanas de easy listening. A este primer álbum le sucederían otros de igual éxito como “Odori” (1.980), “Third Generation” (1.983), “East” (1.989), “L.A.” (1.994), “Urban World Music” (1.996), “Spirit Of The Season” (2.004), “Little Tokyo” (2.007) o el recopilatorio “Legacy” presentado en el año 2.009. Han pasado más de tres décadas y la banda de Dan Kuramoto vuelve a la carga con un nuevo trabajo discográfico que se presenta bajo el titulo genérico de “Departure”. Este nuevo álbum de la formación musical contiene un total de siete temas inéditos a los que se añaden dos clásicos de todos conocidos; el titulado “Thounsand Cranes”, perteneciente al álbum “Spirit Of The Season” publicado en el año 2.004 por el sello discográfico Heads Up Records, y el tema titulado “One Wish” y que se incluye en el álbum “Another Place” del año 1.985. Tanto “Thousand Cranes” como “One Wish”, a pesar de ser temas antiguos, para esta ocasión son composiciones que han vuelto a ser grabadas, para de esta forma, incluirlos en este nuevo proyecto musical. El disco arranca con el inconfundible sonido del Koto, instrumento musical de cuerda japonés de origen chino, ejecutado magistralmente por June Kuramoto en el tema titulado “Have You Ever Wondered” y al que se une la no menos magistral armónica de Tetsuya “Tex” Nakamura, haciendo de este tema uno de los más destacables de todo el álbum. Hiroshima vuelve de nuevo a ofrecernos melodías y ritmos característicos del mejor Jazz contemporáneo nunca sin renunciar a los sonidos propios de la música japonesa. De nuevo, Oriente y Occidente se aproximan, llegando incluso a fundirse con el típico sonido del Koto como protagonista principal. Muy destacables son los temas “Blues For Sendai” y “See You Again”; el primero destaca por la presencia de percusión combinada con piano, y el segundo por el protagonismo del saxo en un ambiente musical netamente oriental. Los temas más rítmicos son “First Nation”, “Koto Cruise” y “Smiling Jack”. El nuevo álbum de Hiroshima se completa con un originalísmo tema titulado “Yamasong Duet” en el que predomina la percusión, los tambores y los sonidos guturales de Shoji Kameda. Por lo que se refiere a los músicos que componen la banda destacar la presencia de Dan Kuramoto (saxo, flauta, shakuhachi, fue y percusión), June Kuramoto (koto), Kimo Cornwell (piano, teclados y sintetizadores), Danny Yamamoto (batería y percusión), Shoji Kameda (taiko,percusión y voz) y Dean Cortez (bajo). En la composición de los temas participan June Kuramoto, James “Kimo” Cornwell, Dan Kuramoto y Shoji Kameda. El disco es producido por Dan Kuramoto y cuenta con la coproducción de Kimo Cornwell y June Kuramoto. La grabación de “Departure” se realiza en los Studio Tofuville, Ipuland Studios, Clear Lake Audio y Double Rainbow Studio y participan Mr. Moto, Leslie Chew, Ipuman y Madame Qua. El álbum es mezclado y masterizado por Leslie Chew. Los temas “First Nation”, “Have You Ever Wondered” y “Thousand Cranes” son mezclados por Don Murray. Qris Yamashita se responsabiliza de la dirección artística y Mr. Terry Steele es autor de la fotografía de la portada del disco. “Departure” fue presentado y lanzado el pasado 16 de Enero y supone el decimoséptimo álbum de la veterana banda. Excelente trabajo.
Lloyd Gregory es uno de esos músicos imprescindibles; compositor, guitarrista y director musical de bandas tan conocidas como The Ballads o The Natural Four o del también guitarrista y compositor Jesse James. A pesar de no ser un músico muy conocido en Europa, en los Estados Unidos es un referente musical y cuenta con trabajos discográficos tan interesantes como “Wonderful” (1.992), “Only For You” (1.999), “Solo Guitar” (2.001) o “Free Fallin” (2.003), su más reciente producción musical hasta la fecha. Lloyd Gregory, nativo de la ciudad de Cleveland pero afincado y residente en San Francisco, trabaja como músico de estudio en el área de la bahía de San Francisco. Guitarrista de Jazz que imprime a su forma de tocar un estilo melódico, suave y smooth. Toca con absoluta solvencia la guitarra eléctrica y la guitarra acústica, componiendo al mismo tiempo sus propios temas. Las influencias musicales de Lloyd Gregory se centran en el sonido de guitarristas tan legendarios como Wes Montgomery, Barney Kessel, George Benson, Kenny Burrell, Earl Klugh o Larry Carlton, entre otros. El género musical del R&B le influye notablemente, orientando así al guitarrista hacia terrenos musicales tan variados como el Soul, el Jazz más contemporáneo, el Pop, y por supuesto el R&B. Por lo que se refiere a su trabajo como músico de estudio, Lloyd Gregory ha trabajado en estudio junto a Martha Reeves, Klaus Voorman, Arthur Adams, Harvey Mason, Herbie Hancock, Joe Sample, MC Smooth o Freddie Stewart, mientras que ha compartido escenario con músicos y artistas de la talla de Stanley Clarke, Rodney Franklin, George Duke, Gerald Albright, Lenny Williams o Freda Payne. Lloyd Gregory también es conocido por su trabajo junto al productor Richard Perry. El guitarrista presentó el pasado año su quinta producción discográfica bajo el titulo genérico de “Gentle Warrior” y del que se extrajo como single el tema titulado “Haiti”. En esta quinta producción discográfica, Lloyd Gregory regresa al sonido clásico de su guitarra aderezado con ingredientes R&B, Soul, sonidos africanos y ritmos brasileños. El disco arranca con el tema “Brazilian Sea”, tema compuesto por Sunnie Paxton y en el que tiene especial protagonismo la vocalista Jeanie Tracy. A lo largo de los doce temas que conforman “Gentle Warrior”, el guitarrista vuelve a poner de manifiesto su virtuosísmo en la forma de interpretar composiciones tan brillantes como “Slither”, “Germ”, “A Moment In Time”, “Dream Of Love” o “El Espiritu de Diana”. Este nuevo trabajo del guitarrista se publica en el sello discográfico Roxboro Entertainment Group, sello propiedad del bajista Stanley Clarke y que para la presentación y lanzamiento de su sello discográfico ha contado con la selección de cuatro músicos, entre ellos Lloyd Gregory. No podemos dejar de citar la presencia del bajista Stanley Clarke que junto a Lloyd Gregory nos regala un impecable mano a mano en el tema titulado “Desert Wind”. El disco se completa con “Philly”, tema que trata de rendir tributo al sonido Philadelphia de la década de los 70´s, “Gentle Warrior”, “Remembering Carmel” y “Zulu, Son Of Cobra”, que cierra este excelente quinto trabajo discográfico de Lloyd Gregory. De la producción ejecutiva del álbum se encarga Stanley Clarke, participando en la producción del disco Lloyd Gregory, Felton Pilate, Dereck McKinney y el propio Stanley Clarke. Por lo que respecta a la composición de los temas, “Slither” y “A Moment In Time” son temas compuestos en solitario por Lloyd Gregory, mientras que en el resto de los temas participan en su composición gente como el propio Stanley Clarke, Sunnie & Alexis, Felton Pilate, Percy Scott, Dereck McKinney, Sunnie Paxson o Alexis England. En la parte técnica y de grabación del álbum destacar la presencia de Leif Shackelford, Felton Pilate, Jack Douglas, Greg Peterson, Marcus Mecedia, Nick Buford, Cleveland Bledsoe Jr, Erick Johnson y de Gerry “The Gov” Brown. El disco es mezclado por Travis Rogers, siendo masterizado por Don Taylor en Precision Mastering. De la fotografía de la portada del álbum y de la dirección artística, así como de las fotografías interiores y de los créditos del disco se encarga Steven Parke. “Gentle Warrior” es distribuido por Bungalo Records.
La química entre el guitarrista Frank Gambale y la vocalista y compositora Boca surge en el legendario club de la localidad californiana de Studio City conocido como Baked Potato. Es allí donde la vocalista, compositora y pianista decide unirse al guitarrista para juntos grabar un álbum donde la guitarra de Frank Gambale se compagine con la voz de Boca. La trayectoria de Frank Gambale es de todos conocida; virtuoso de la guitarra que cuenta con una discografía que alcanza un total de 20 trabajos discográficos a los que hay que añadir sus múltiples colaboraciones musicales con otros artistas. Como guitarrista siempre se ha movido en estilos y géneros musicales tan variados como el Jazz, el R&B o el Funk. Cuenta con una depurada técnica en la forma de tocar la guitarra siendo además autor de numerosos libros en los que trata de transmitir todos sus conocimientos acerca del manejo de la guitarra a los músicos noveles. A la publicación de los referidos manuales hay que añadir numerosos DVD en los que de forma videográfica enseña su peculiar técnica. Su último trabajo discográfico como guitarrista fue el publicado el pasado año bajo el titulo genérico de “Natural Selection” en el sello discográfico Wombat Records. Citar a Frank Gambale significa obligatoriamente invocar el nombre de Chick Corea; junto al pianista graba álbumes tan legendarios como “Light Years” (1.987), “Eye Of The Beholder” (1.988), “GRP Super Live In Concert” (1.988), “Inside Out” (1.990), “Beneath The Mask” (1.991), “To The Stars” (2.004) o “The Ultimate Adventure” (2.006). En su extensa carrera como guitarrista, Frank Gambale ha trabajado con músicos de la talla de Stuart Hamm, Steve Smith, John Pattitucci, Dave Weckl, Alan Holdsworth, Jimmy Earl, Steve Weingart, Eric Marienthal o Maurizio Colonna, entre muchos otros. La cantante, compositora y pianista Boca nace en la ciudad canadiense de Toronto. En su forma de cantar mezcla elementos de Blues, Jazz y Soul. Su álbum titulado “Edge Of The Night” y del que se extrajo como single el tema titulado “Morning, Noon And Night”, fue un auténtico éxito. La influencia de Antonio Carlos Jobim, de los sonidos latinos y de los ritmos brasileños es notable a lo largo de todo el álbum. En el verano del año 2.010, vocalista y guitarrista se embarcan en una gira europea en la que recorren con un espectáculo conjunto numerosas ciudades europeas obteniendo un éxito sobresaliente. Probablemente, la idea de trabajar en un álbum conjunto se consolida de manera definitiva durante ese verano. De esta forma, en tan solo unas semanas el guitarrista y la vocalista presentarán su trabajo conjunto bajo el titulo genérico de “Soulmine”. Del lanzamiento y publicación del álbum se responsabiliza el sello discográfico Wombat Records y esta nueva producción discográfica se compone de un total de diez temas compuestos y producidos por Frank Gambale y Boca. La primera característica que hay que destacar de “Soulmine” es que la totalidad de los temas son composiciones cantadas, aunque no podemos dejar de señalar que en todas las composiciones que conforman “Soulmine” está muy presente la guitarra de Frank Gambale. Según manifestaciones del propio guitarrista, “Soulmine” es un disco que siempre ha querido grabar, pero desafortunadamente, no había encontrado aún la voz que cantara las melodías que el álbum contiene. Frank Gambale y Boca consiguen una coordinación musical perfecta, y guitarra y voz, logran establecer un diálogo musical único. Esta nueva producción discográfica se inicia con el tema titulado “Love Set Me Free”, composición que pone de manifiesto que elementos musicales como el Jazz, el Pop, el R&B, el Soul o los ritmos y sonidos latinos van a tener un protagonismo propio a lo largo de todo el disco. El álbum se completará con temas como “Live Your Dream”, “All In The Game Of Life”, “Be The Change”, “Saved Me From Myself” o “Forbidden Kiss”, single del álbum y del que se ha grabado un video que puede ser visionado en Youtube. La guitarra de Frank Gambale y la voz de Boca es acompañada a lo largo de todo el álbum por el bajo de Victor Wooten, la batería de Joel Taylor, el piano de Otmaro Ruiz, el órgano y el hammond de Brian Auger y la percusión de Rick Lazar. Boca es acompañada en los coros por el vocalista Gary Coppola. El disco es grabado por Robert M. Biles y por el propio guitarrista, que igualmente se ocupa de la edición digital. De la mezcla del disco se encargan la vocalista, el guitarrista y Robert M. Biles, mientras que la masterización es obra de Pete Doell en Universal Mastering Studio. “Soulmine” es grabado en los Wombat Studios y en los B2Studios. La fotografía de la portada del álbum y las fotografías interiores son efectuadas por Michael Hiller y Carol Sheridan. Sin lugar a dudas, Frank Gambale con la publicación de “Soulmine” da un nuevo giro a su carrera profesional. “Soulmine” se pone a la venta el 22 de Mayo, aunque el próximo 3 de Mayo el guitarrista y la cantante presentarán su nueva producción discográfica en el Anthology de la ciudad de San Diego.
Shanachie Records Entertainment es unos de los sellos discográficos y distribuidores de música más importantes del mundo. La compañia y sello discográfico se funda en el neoyorquino barrio del Bronx en el año 1.975. Sus fundadores y propietarios fueron Richard Nevins y Dan Collins. El género musicalmente elegido para iniciar la andadura de Shanachie Records fue la música tradicional irlandesa. De hecho, el nombre del sello discográfico -Shanachie- es un vocablo que proviene de un cuento tradicional irlandés. Iniciando así el sello discográfico su actividad musical, en poco tiempo, Shanachie Records se ha hecho con uno de los catálogos más extensos de música irlandesa y en el que se incluyen artistas y músicos tan notables como The Chieftains, Makem & Clancy, De Dannam, Planxty o Clannad, entre muchos otros. Durante los primeros años de funcionamiento del sello discográfico, todos los éxitos de música irlandesa inevitablemente se identificaban con el logotipo de Shanachie Records. A lo largo de su andadura y a través de los años, Shanachie Records Entertainment ha presentado producciones discográficas y videográficas de los artistas y músicos más importantes e influyentes de todo el panorama musical norteamericano. No podemos dejar de señalar, que Shanachie Records es una de las compañias discográficas que más géneros musicales incluye en su extenso y vasto catálogo. Entre los estilos musicales que Shanachie Records incorpora en su inventario destaca la presencia del Reggae, Folk, Country, Jazz, R&B, Pop, Gospel, Irish Music, Celtic Music, Blues o World Music, entre otros. Asimismo, la compañia discográfica cuenta con una división de video que se compone de un amplio archivo de documentales, conciertos, peliculas, shows de televisión y titulos tan notables como “High Lonesome: The Story Of Bluegrass”, “The Ultimate Pete Tosh”, “Wynton Marsalis´Congo Square”, “Out Of Ireland” o “Car 54, Where Are You?”, entre otros. En el año 1.980 la compañia discográfica se adentra en el género musical del Reggae con el lanzamiento y presentación del álbum titulado “King Tubbys Meets Rocker Ina Firehouse”, del legendario Augustus Pablo. Posteriormente vendrán lanzamientos de artistas y músicos tan conocidos como Rita Marley, Culture Bunny Wailer, Judy Mowatt, Alpha Blondy, Lucky Dube o The Skatalites. En el año 1.983 Shanachie Records da otro paso importante y se convierte en el sello discográfico pionero en la publicación de álbumes pertenecientes al denominado género musical del World Music. De esta forma se presenta el primer trabajo discográfico del grupo procedente de South Africa conocido como Ladysmith Black Mambazo, formación musical que más tarde participaría en la grabación del álbum “Graceland” del legendario Paul Simon. Dentro de este género musical tan peculiar, Shanachie Records presentó producciones discográficas de Fela Ani Kulapo Kuti, Tabu Ley Rocherar o The Mahotella Queens. La compañia discográfica fue una de las pocas por aquel entonces que abanderó el género musical denominado World Beat con trabajos discográficos tan interesantes como los de Ofra Haza, Najma, Nusrat Fateh, Ali Khan y otros muchos. En 1.987 Shanachie Records decide apostar por la música indie y los músicos y artistas independientes. El proceso de expansión de Shanachie Records se produce con la apertura de una oficina en la ciudad de Minneapolis, en el norteamericano estado de Minnesota. Es el comienzo de una distribución autónoma e independiente del producto de la compañia discográfica a lo largo de todos los Estados Unidos. Shanachie Records construye su propia red de distribución discográfica que con el paso del tiempo convertirá en internacional. La compañia discográfica abre sucursales de venta y distribución en puntos geográficos estratégicos de la unión americana. Shanachie Records decide fusionar su red de distribución de producciones discográficas con la prestigiosa distribuidora Koch Entertainment para de esta forma llegar a más puntos de la nación y difundir mejor su catálogo musical. Ya a finales de la década de los 80´s el sello discográfico decide adentrarse en el terreno musical de estilos tan interesantes como el Jazz, el Blues, el R&B, el Gospel, el Groove o la música alternativa obteniendo así un notable éxito de ventas en las zonas más urbanas de Estados Unidos. Entre las producciones discográficas de Jazz Contemporáneo y de R&B cabe destacar la presencia de Kim Waters (”This Heart Of Mine”), Syleena Johnson (”Chapter V: Underrated”), Ruben Studdard (”Letters From Birmingham”), Take 6 (”One”), Incognito (”Surreal”), Najee (”The Smooth Side Of Soul”) o Maysa (”Motions Of Love”), entre muchos otros. A estos excelentes músicos se añaden la presencia de una larga lista de artistas entre los que cabe destacar Keiko Matsui, Michael Franks, Euge Groove, Alfonzo Blackwell, Bob Baldwin, Brian Simpson, Chieli Minucci, Chuk Loeb, Down To The Bone, Eddie Daniels, Everette Harp, Fattburger, Kevin Toney, Ken Navarro, Larry Coryell, Liquid Soul, Melba Moore, Phil Perry, Nelson Rangell, Nestor Torres, Norman Connors, Pamela Williams, Patti Austin, Special EFX, The Sax Pack o Tom Grant, entre muchos otros. Por último y para finalizar este artículo, no queremos dejar de citar a Bill Cason, destacado directivo de Shanachie Records Entertainmet, por su colaboración y ayuda. Thanks, Mr. Cason.
Compositora, saxofonista y flautista. Jessica Spinella, conocida artísticamente como Jessy J, nace el 20 de Diciembre de 1.982 en la localidad de Portland, en el norteamericano estado de Oregon. Las raices latinas de Jessy J están claras y son manifiestas; su padre es originario del estado mexicano de Sinaloa y su madre es nativa del sureño estado norteamericano de Texas. Sus padres se trasladan de la ciudad de Portland, a la ciudad de Hemet, en California. A la temprana edad de 4 años comienza a recibir clases de piano a la vez que se presenta en numerosos concursos y competiciones musicales que alterna con el inicio de sus clases de música. Con 15 años fué nominada Piano State Champion en el Bela Bartok Festival en California. A partir de esta edad empieza a fijarse en otros instrumentos, llamándole poderosamente la atención los de viento, de esta forma, abandona el piano y comienza a tocar el saxo y la flauta. Ingresa en la University Of Souther California y al finalizar los estudios universitarios consigue la graduación en estudios de Jazz junto con un manejo notable de la flauta y del saxo tenor y soprano. Durante la graduación en la citada universidad fue señalada con la mención honorífica de “Estudiante de Jazz más destacada”. Es a partir de este momento cuando enfoca su carrera artística a los estudios de grabación interviniendo en producciones de artistas como Michael Bublé, a la vez que compagina su trabajo en el estudio, definitivamente ya como músico de sesión, con las giras en vivo de artistas de la talla de The Temptations, Jessica Simpson, Michael Bolton o el mexicano Armando Manzanero. En el año 2.004 se integra en el musical Blast! interviniendo en el mismo como vocalista, actriz, bailarina y saxofonista e iniciando una extensa gira por Estados Unidos, Japón y Reino Unido. Después de esta experiencia comienza a realizar apariciones musicales en solitario. Forma parte de bandas de prestigio como la The Grammy Band y actúa en festivales tan influyentes como el Montreux Jazz Festival. También ha colaborado con la orquesta de Henry Mancini Jazz. El festival que le deja más huella, según sus propias palabras, es Catalina Island Jazztrax Festival a finales del año 2.006; al año siguiente y no con mucho éxito en lo que a distribución se refiere, lanza su primer trabajo que lleva por titulo genérico “Jessy J” y es a partir de este momento cuando decide profundizar en el género musical Smooth Jazz y en el Jazz Contemporáneo y tiene claro querer trabajar con el productor Paul Brown. Intenta conectar con él y pasado un tiempo Paul decide hacerle una prueba en su estudio quedando encantado y contando con ella en su tercer trabajo titulado “Paul Brown & Friends/White Sand” abriendo el álbum con el tema titulado “White Sand” e interviniendo en otros dos temas: “R n B Bump” y “Mercy, Mercy, Mercy”. Ha participado en la última producción del guitarrista Norman Brown, “Stay With Me” y el álbum de Blake Aaron que lleva por titulo “Desire”. El rasgo fundamental de su música es la combinación de elementos de Pop, Jazz, Ritmos Latinos incluso música Brasileña. Ha realizados giras y presentaciones en vivo con músicos y artistas de la talla de Jeff Golub, Euge Groove, Paul Brown, Jeff Lorber, Gregg Karukas, Ricky Peterson, Kiki Ebsen, Roberto Vally, Oscar Seaton, Dave Beyer, Sergio González, Richie Gajate García, Donald Hayes, Chad Wright, Marco Basci, Jeff Caruthers, Lawrence Young, Deyon Dobson, Jon Notar, Jordan Scannella, Nick Sample, Ray Parker Jr, Michael Ripoll, Harvey Mason, Josh Guinta, Toni Scruggs, Janis Liebhart o Nino Sánchez, entre muchos otros. Continúa participando en producciones discográficas tan notables como “Diamonds”, del teclista Jonathan Fritzén o “Foreign Exchange”, último trabajo conjunto de los guitarristas Marc Antoine y Paul Brown. A lo largo del año 2.008 se agrega a la gira denominada Guitars & Saxes y en la que se une al también saxofonista Gerald Albright, a los guitarristas Jeff Golub y Peter White y al teclista Jeff Lorber. La denominación musical Guitars & Saxes ha incluido músicos tan prestigiosos y notables como Warren Hill, Euge Groove, Kirk Whalum, Rick Braun, Steve Cole, Craig Chaquico, Dave Koz, Jonathan Butler o Richard Elliot. Las raices latinas de Jessy J la han llevado a participar en eventos musicales propiamente hispanos; así, ha colaborado como saxofonista y flautista en el Hispanic Musician Association Orchestra y ha actuado en el Carnegie Hall como integrante del Latin Jazz Project. En el año 2.008 y con motivo del lanzamiento de su segunda producción discográfica, es nombrada por Radio & Records como la artista debutante del año. Ese mismo año, Jessy J es portada de la edición del mes de Mayo de la prestigiosa publicación Jazziz Magazine. La igualmente prestigiosa Saxophone Journal Magazine le dedica la portada de la edición de Octubre del año 2.009. El pasado año 2.011 la saxofonista presentaba y lanzaba en el sello discográfico Heads Up Records su última producción discográfica bajo el titulo genérico de “Hot Sauce”. A los pocas semanas de su publicación, “Hot Sauce” ocupaba los primeros puestos de las listas americanas de Smooth Jazz y de Jazz Contemporáneo. Ese mismo año participa junto a Gerald Albright, Rocco Ventrella, Paul Brown y Martin Ehlers Trio en el Smooth Jazz Festival de la localidad alemana de Augsburg. Como anécdota, apuntar que la “J” que se incluyen en su nombre artístico es alusiva a la palabra Jazz. Tratando de hacer un juego de palabras con Jessy y Jazzy se decide por denominarse artísticamente como Jessy J.